Dzieła sztuki w kategorii Obrazy do hotelu

„Cisza” (2023) Beaty Walczak to akrylowy obraz na płótnie, w którym zamyślona postać w fioletowym swetrze wyłania się z nocnego pejzażu pełnego roślin. Zieleń liści zasłania część twarzy, a w oddali widać grupę białych sylwetek – wszystko razem tworzy metaforyczną opowieść o milczeniu, pamięci i wewnętrznym świecie emocji.

„Korzenie tajemnicy” (2025) Beaty Walczak to akrylowy obraz na płótnie, na którym dwie dziewczyny ukryte w gęstej roślinności dzielą się szeptem. Podzielona na część nadziemną i podziemną kompozycja sugeruje, że każda tajemnica ma swoje głębokie korzenie – niewidoczne, ale wciąż żywe.

„Co było, nie było” (2022) Beaty Walczak to akrylowy obraz na płótnie, przedstawiający parę obejmującą się w bajkowym lesie pełnym liści i różowych owoców. Intensywna zieleń, dekoracyjne wzory i symboliczny tytuł tworzą opowieść o pamięci, bliskości i tym, co ulotne.

„Wszystko ma swój czas” (2023) Beaty Walczak to akrylowy obraz na płótnie, na którym postać odpoczywająca na turkusowym koniu–zebrze zanurzona jest w gąszczu liści i rozłożystym drzewie. Intensywne róże i zielenie tworzą baśniową scenę, przypominając o rytmie natury, dzieciństwie i potrzebie zatrzymania się w odpowiednim momencie.

„Chroniczne przyciąganie” (2022) Beaty Walczak to akrylowy obraz na płótnie, w którym akrobatycznie wygięta postać kobiety spotyka się z bujną, niemal mityczną rośliną. Intensywna zieleń, czerwony donicowy ornament, wąż i jabłko budują współczesną, przewrotną odsłonę opowieści o pokusie i przyciąganiu.

„AKT ECCE HOMO purple” (2023) Maliny Wieczorek to duży obraz akrylowo-olejny na płótnie (120 × 120 cm), w którym motyw aktu zostaje zestawiony z dramatycznym, fioletowym kolorem. Ekspresyjna forma i symboliczny tytuł „Ecce Homo” podkreślają kruchość, siłę i godność ludzkiego ciała.

„Akt Znaki 1” (2020) Maliny Wieczorek to kameralny, abstrakcyjny akt, w którym sylwetka zostaje zredukowana do znaku – jasnego, fakturowanego prostokąta na złocisto-ochrowym tle. Minimalistyczna forma i subtelna gra koloru tworzą kontemplacyjny nastrój.

„Akt w trawach 3” (2024) Maliny Wieczorek to nastrojowy obraz z cyklu aktów w naturalnym otoczeniu. Sylwetka kobieca przenika się z rytmem traw i roślin, tworząc pełną spokoju, a jednocześnie zmysłową kompozycję o nowoczesnym charakterze.

„Akt w trawach 1” (2024) Maliny Wieczorek to nastrojowy obraz o wymiarach 50 × 50 cm, w którym subtelny akt kobiecy zostaje wpisany w naturalne otoczenie traw. Połączenie delikatnej figuracji z miękką, roślinną sceną tworzy atmosferę spokoju, bliskości natury i intymnego wyciszenia.

„ACT – Woman from Sirius, Terra Ignota” (2025) Maliny Wieczorek to ekspresyjny obraz olejno-akrylowy na płótnie o wymiarach 100 × 100 cm. Artystka łączy motyw aktu kobiecego z kosmiczną narracją, tworząc wizję istoty z odległego świata, zagubionej w nieznanym pejzażu – terra ignota.

„Akt” (2023) Maliny Wieczorek to subtelne studium ludzkiego ciała, utrzymane w nowoczesnej, malarskiej formie. Delikatna gra światła i cienia podkreśla linię sylwetki, tworząc obraz emanujący wrażliwością, spokojem i elegancją.

Obraz „Akt Owoc Kobiecości” (2024) autorstwa Maliny Wieczorek. Technika mieszana na płótnie (akryl, olej, pastele, ołówek), 100 × 170 cm. Współczesny akt jako manifest różnorodnych ról i energii kobiecej – sensualność spotyka siłę i sprawczość.

Obraz „Akt, Kobieta i Słońce” (2024) autorstwa Maliny Wieczorek. Technika mieszana na płótnie (akryl, olej, pastel, ołówek/kredka), 120 × 130 cm. Współczesny akt jako nośnik emocji, duchowości i pytań o tożsamość – ciało sprowadzone do znaku i formy.

Obraz „Akt, Kobieta i Mars” (2024) autorstwa Maliny Wieczorek. Technika mieszana na płótnie (akryl/olej/kredka), 100 × 100 cm. Z cyklu Kobiety i Planety – kobiecość jako żywioł łączący siłę i wrażliwość; czerwone akcenty „Marsowe”, żywy gest, warstwowa faktura.

„Grey Composition” (2024) Romana Gossa to abstrakcyjny obraz olejny na płótnie zdominowany przez stonowane szaro-niebieskie tło. Jasne akcenty żółci, bieli, czerni, brązu i jasnej zieleni pojawiają się w odważnych, teksturowanych blokach, tworząc wrażenie warstw i architektonicznej kompozycji.

„Composition 17” (2024) Romana Gossa to abstrakcyjny obraz olejny na płótnie, zbudowany z poziomych i pionowych bloków koloru. Ciepła, ziemista paleta brązów, beżów, żółci, bieli i jasnej zieleni oraz bogata faktura tworzą wrażenie głębi, światła i wyrafinowanej struktury.

„Vox” (2024) Romana Gossa to obraz olejny na płótnie, w którym ciepłe czerwienie i brązy kontrastują z chłodnymi, jasnozielonymi plamami barwnymi. Geometryczna kompozycja i bogata faktura tworzą wrażenie dynamicznej walki światła i cienia.

„Miracle” (2024) Romana Gossa to olejny obraz na płótnie, w którym artysta tworzy półabstrakcyjny krajobraz w zgeometryzowanych formach i stonowanych błękitach. Wielowarstwowo nakładane kolory i bogata faktura budują spokojną, niemal medytacyjną przestrzeń światła i cienia.

„Lux 7707” (2023) Rafała Wieczorka to ręcznie malowany, abstrakcyjny obraz akrylowy na płótnie z cyklu Lux. Dominujące odcienie szarej platyny tworzą minimalistyczne studium światła, idealne do nowoczesnego salonu, biura lub eleganckiego gabinetu.

„Lux 8813” (2018) Rafała Wieczorka to ręcznie malowany, abstrakcyjny obraz akrylowy na płótnie z cyklu Lux. Dominujące żółto-złote odcienie tworzą studium światła, idealne jako nowoczesny obraz do salonu, biura lub eleganckiego gabinetu.

„Lux 0171” (2017) Rafała Wieczorka to abstrakcyjny obraz akrylowy na płótnie z cyklu Lux, poświęcony tematowi światła. Minimalistyczna kompozycja w żółtych odcieniach idealnie dopełni nowoczesne wnętrza salonu, biura lub gabinetu.

„Koncert Organowy” (2022) Rafała Labijaka to olej na reliefowym podkładzie (płyta HDF), 100 × 100 cm. Struktura warstw buduje spektakl światła i cienia – jak tytułowy koncert organowy. Praca była wystawiana i reprodukowana w katalogu „Sztuka kochania…”.

„Prośba o księżyc” (2023) – monotypia Rafała Labijaka, olej na tekturze, 57 × 76 cm. Emocjonalny szkic – zapis chwili, który artysta wykorzystuje jako bazę do późniejszych obrazów; reprodukowana w katalogu „Sztuka kochania…”.

Grafika „Fatum” (1999) autorstwa Przemysława Tyszkiewicza. Akwaforta (monochromatyczna), 50 × 50 cm (kwadrat). Centralna postać nagiej kobiety wpisana w surrealny pejzaż pełen fantastycznych stworzeń i roślin; motyw słońca i kręgu sugeruje cykliczność życia i nieuchronność losu.

Grafika „Siedem Moich Żeber” (2011) autorstwa Przemysława Tyszkiewicza. Akwaforta (monochromatyczna), 50 × 50 cm (kwadrat). Centralna postać mężczyzny na tronie wśród mitycznych stworzeń (ptaki, ryby) i roślin; kompozycja o układzie gwiazdy, gęsty światłocień, symboliczny oniryzm.

Grafika „Dziki Łyk Pierwotnej Herbaty” (2014) autorstwa Przemysława Tyszkiewicza. Akwaforta i akwatinta na płycie miedzianej, 94 × 67 cm (poziom). Nad przestrzenią unoszą się grzyby – część z architektonicznymi detalami (pagoda) – pomiędzy którymi przemieszczają się dzikie psy/wilki; gęsty światłocień, surrealna symbolika.

Grafika „Meteorologia Przypadkowych Halucynacji” (2002) autorstwa Przemysława Tyszkiewicza. Akwaforta i akwatinta na płycie miedzianej, odbitka na papierze bawełnianym Zurkal, 94 × 67 cm (poziom). Realistyczna ciężarówka pod sklepieniem lewitujących grzybów; precyzyjna kreska, głęboki światłocień i wielowarstwowa symbolika.

Grafika „Statyka Głębin” (2004) autorstwa Przemysława Tyszkiewicza. Akwaforta i akwatinta na płycie miedzianej, odbitka na papierze bawełnianym Zurkal, 94 × 67 cm (poziom). Na ciemnym tle sofa i unoszący się nad nią koliber; po prawej skrętne wieże/kolumny. Mistrzowski światłocień, realizm detalu i oniryczna symbolika.

Grafika „O Świcie Zakwitł Czarny Ocean” (2002) autorstwa Przemysława Tyszkiewicza. Akwaforta i akwatinta na płycie miedzianej, odbitka na papierze bawełnianym Zurkal, 94 × 67 cm (poziom). Surrealna scena świtu: kwiaty wynurzające się z mroku, statek spleciony z roślinnością, smok i architektoniczna struktura niczym most/forteca; mistrzowski światłocień i gęsta symbolika.

Grafika „Kwiaty Nocy” (2002) autorstwa Przemysława Tyszkiewicza. Akwaforta i akwatinta na płycie miedzianej, odbitka na papierze bawełnianym Zurkal, 94 × 67 cm (poziom). Trzy świetliste kwiaty na tle nocnego nieba i sierpa księżyca; mistrzowski światłocień, precyzja detalu i oniryczna symbolika.

Grafika „Chabrowy Księżyc Pól Mrozowych” (2011) autorstwa Przemysława Tyszkiewicza. Akwaforta i akwatinta, 94 × 67 cm (poziom). Oniryczna scena: skrzydlata świnia, unoszące się zwierzęta i monumentalny byk na pierwszym planie; mistrzowski światłocień i gęsta symbolika.

Grafika „Serce Wrocławia” (2016) autorstwa Przemysława Tyszkiewicza. Akwaforta i akwatinta, 49 × 60 cm (pion). Monochromatyczne anatomiczne serce wypełnione motywami wrocławskiej architektury; mistrzowski światłocień i detale budujące oniryczny klimat miasta.

Grafika „Księżycowy Ogród” (2020) autorstwa Przemysława Tyszkiewicza. Akwaforta i akwatinta, 40 × 53 cm (pion). Oniryczna kompozycja łącząca realizm detalu (płatki, kolce róż) z mrocznym światłocieniem i bogatą symboliką.

Obraz „Jezioro Płaskie” (2024) autorstwa Piotra Trusika. Olej na płótnie, 21 × 30 cm (pion). Kameralna notatka malarska natury z Pleneru Jerzwałd 2024 — próba zatrzymania ulotnej gry światła, powietrza i czasu.

Obraz „Pamiątka” (2024) autorstwa Piotra Trusika. Olej na desce, 30,5 × 21 cm (poziom). Ulotna notatka malarska natury z Pleneru Jerzwałd 2024 — próba zatrzymania chwili, światła i pamięci widzenia.

Obraz „Zdarzenia” (2024) autorstwa Piotra Trusika. Olej na płótnie, 30 × 40 cm (pion). Malarska refleksja o wolności kobiet i decyzyjności o ciele: kontrast gęstej, obcej materii z delikatnością spojrzenia buduje niejednoznaczną narrację.

Obraz „Znaleziony 2” (2024) autorstwa Piotra Trusika. Olej na płótnie, 34,5 × 40,5 cm (pion). Ulotna notatka malarska natury z Pleneru Jerzwałd 2024 — o efemeryczności obcowania z pejzażem i pamięci widzenia.

Obraz „Znaleziony 1” (2024) autorstwa Piotra Trusika. Olej na płótnie, 30 × 24 cm (poziom). Ulotna notatka malarska natury z Pleneru Jerzwałd 2024 — o efemeryczności kontaktu z pejzażem i pamięci widzenia.

Obraz „Pomiędzy 4” (2024) autorstwa Piotra Trusika. Olej na płótnie, technika własna, 145 × 115 cm (poziom). Liminalna kompozycja zawieszona między widzialnym a odczuwalnym; sylwetka człowieka konfrontuje przestrzeń, pamięć i emocje. Prezentowany na wystawie „Pomiędzy” w CSW Zamek Ujazdowski (22.02–24.03.2024).

Obraz „Pomiędzy 3” (2024) autorstwa Piotra Trusika. Olej na płótnie, technika własna, 145 × 115 cm (poziom). Liminalna kompozycja zawieszona między widzialnym a odczuwalnym; sylwetka człowieka konfrontuje przestrzeń, pamięć i emocje. Prezentowany na wystawie indywidualnej „Pomiędzy” w CSW Zamek Ujazdowski (22.02–24.03.2024).

Obraz „Pomiędzy 2” (2024) autorstwa Piotra Trusika. Olej na płótnie, 40 × 34 cm (poziom). Liminalna kompozycja zawieszona między tym, co widzialne i odczuwalne; sylwetka człowieka konfrontuje przestrzeń, pamięć i emocje. Prezentowany na wystawie „Pomiędzy” w CSW Zamek Ujazdowski (22.02–24.03.2024).

Obraz „Pomiędzy 1” (2024) autorstwa Piotra Trusika. Olej na płótnie, 35 × 35 cm. Liminalna kompozycja o zawieszeniu między tym, co widzialne i odczuwalne; motyw sylwetki konfrontującej przestrzeń, pamięć i emocje.

Obraz „Hypnos” (2022) z cyklu Mity i legendy autorstwa Piotra Piecko. Mixed media (olej, akryl, płatki złota) na płótnie, 80 × 100 cm (poziom). Portret Hypnosa – boga snu – łączący klasyczną ikonografię z nowoczesnym wykończeniem. Sygn. prawy dolny róg; rama American Box.

Obraz „Afrodyta” (2022) z cyklu Mity i legendy autorstwa Piotra Piecko. Mixed media (olej, akryl, płatki złota) na płótnie, 150 × 100 cm. Współczesny portret bogini miłości i piękna, łączący klasyczną ikonografię ze złoceniami. Sygn. lewy dolny róg.

Obraz „Icarus” (2023) z cyklu Mity i legendy autorstwa Piotra Piecko. Mixed media (akryl, płatki złota) na płótnie, 115 × 75 cm. Współczesna interpretacja mitu Ikara – blask złocenia kontra upadek i hybris. Sygn. prawy dolny róg; rama American Box.

Obraz „Apollo” (2023) z cyklu Mity i legendy autorstwa Piotra Piecko. Mixed media (akryl, płatki złota) na płótnie, 100 × 70 cm. Portret Apolla – boga światła, sztuki i poezji – łączący klasyczny motyw z nowoczesną materią. Sygn. prawy dolny róg; rama American Box.

Obraz „Przebudzenie” (2022) autorstwa Piotra Horodyńskiego. Olej na płótnie, 100 × 120 cm. Surrealno–magiczno-realistyczna kompozycja z centralną postacią kobiecą i symbolicznymi formami; praca przygotowana na wystawę „KOBIETA – … pamięci Anny Bilińskiej” (Muzeum im. Jacka Malczewskiego, Radom, 2022).

Obraz „Ku wolności” (2015) autorstwa Piotra Horodyńskiego. Olej na płótnie, 100 × 92 cm. Surrealno–magiczno-realistyczna opowieść o ruchu ku zmianie i odwadze; stonowana paleta, głęboki światłocień, kontemplacyjny nastrój.

Obraz „Oczekiwanie” (2022) autorstwa Piotra Horodyńskiego. Olej na płótnie, 100 × 81 cm. Surrealno-fantastyczna scena: ruiny jako ślad czasu i doświadczeń oraz światło niosące obietnicę „nowego”. Kontemplacyjny nastrój, wyrazisty światłocień.

Obraz „CISZA JEST POEZJĄ” (2022) autorstwa Piotra Horodyńskiego. Olej na płótnie, 100 × 120 cm. Surrealno–magiczno-realistyczna scena z motywem szachów jako metafory wyborów; wyrazisty światłocień i stonowane, chłodne tonacje budują kontemplacyjny nastrój.

Obraz „Bezmiar ciszy” (2025) autorstwa Piotra Horodyńskiego. Olej na płótnie, 61 × 50 cm. Fantastyczno-surrealna kompozycja w stonowanych błękitach i granatach, przywodzących na myśl lód, arktyczną przestrzeń i wieczorne niebo; intymny, kontemplacyjny nastrój.

Obraz „2nd Avenue” (2019) autorstwa Pauliny Taranek. Akryl i olej na płótnie, 100 × 80 cm. Monochromatyczny cityscape balansujący między figuracją a abstrakcją; rytm linii i kontrast czerni z bielą budują dynamikę metropolii. Sygn. „P.Taranek” (PD) + pełne nazwisko na odwrociu (PD).

Obraz „1rst Avenue” (2019) autorstwa Pauliny Taranek. Akryl na płótnie, 80 × 60 cm. Monochromatyczny cityscape w czerni i bieli: aleja między wieżowcami ujęta w minimalistyczne linie i rytm faktur. Sygn. „P.Taranek” (PD) + pełne nazwisko na odwrociu (PD).

Obraz „Uwaga, to nie chmury” (2021) autorstwa Pauliny Taranek. Akryl na płótnie, 100 × 80 cm. Street-artowy pejzaż miasta z Pałacem Kultury i Nauki w roli głównej; kontrast ciepłych i chłodnych barw podkreśla formę architektoniczną. Sygn. „P.Taranek” (PD) + pełne nazwisko na odwrociu (LD).

Obraz „Blues” (2021) autorstwa Pauliny Taranek. Olej na płótnie, 120 × 120 cm. Miejska panorama z cyklu Cityscapes w odcieniach błękitów i czerni; dynamiczna architektura, melancholijny klimat. Sygnatura „P.Taranek” (LD) + sygnatura na odwrociu.

Obraz „Tam, przez piaskowe wzgórza” (2024) autorstwa Pauliny Katarzyny Zielskiej. Olej na płótnie, 40 × 30 cm. Pejzaż w odcieniach różu i fioletu; miękkie tekstury, daleki zarys gór, harmonijny, kontemplacyjny nastrój.

Obraz „Ciepło cieplej” (2021) autorstwa Pauliny Katarzyny Zielskiej. Olej na płótnie, 90 × 90 cm. Pejzaż w ciepłej palecie czerwieni, pomarańczy i złota: droga prowadząca ku górom, falujące wzgórza i blask zachodzącego słońca podkreślający kontury terenu.

Obraz „Zakopianka” (2021) autorstwa Pauliny Katarzyny Zielskiej. Olej na płótnie, 90 × 90 cm. Miejska scena w blasku zachodzącego słońca: pusta ulica prowadzi ku horyzontowi, po prawej neon z symbolem płomienia; róże, pomarańcze i błękity kontrastują z ciemnymi sylwetami drzew i znaków.

Obraz „Golden Circle” (2021) autorstwa Moniki Wałęgi. Akryl na płótnie / mixed media z akcentami złota, 100 × 100 cm. Centralny złoty okrąg, praca reaguje na światło – zmienia odbiór w ciągu dnia. Sygnatura na odwrocie.

Obraz „Inferno” (2023) autorstwa Miry Pürschel. Akryl na płótnie, 100 × 100 cm. Konceptualna, ekspresyjna abstrakcja – ogniste napięcie kolorów i modelowana faktura tworzą labirynt emocji: chaos, ból, oczyszczenie.

Obraz „No name Ochra” (2023) autorstwa Miry Pürschel. Technika mieszana / akryl na płótnie, 120 × 100 cm. Minimalistyczna monochromia w odcieniach ochry; zamalowane krawędzie, sygnatura z boku i na odwrocie, certyfikat autentyczności.

Obraz „Retrogradacja 02” (2022) autorstwa Miry Pürschel. Akryl na płótnie, 140 × 100 cm. Minimalistyczna abstrakcja inspirowana ruchem wstecznym planet; kontrast czerni i ochry, wyrazista materia, sygnatura na froncie i odwrocie.

Obraz „No name Red” (2023) autorstwa Miry Pürschel. Technika mieszana / akryl na płótnie (szpachla), 120 × 100 cm. Minimalistyczna kompozycja zdominowana przez intensywną czerwień; wyrazista faktura i silny ładunek emocji.

Obraz „Future Past” (2021) autorstwa Matyldy Burszty. Technika mieszana na płótnie lnianym (olej, kolaż z materiałów z recyklingu, fotografia, elementy haftu), 120 × 90 cm. Dwie uproszczone postaci wypełnione kolażem – spotkanie figuracji z eksperymentem i echem pamięci.

Obraz „Aurora” (2022) autorstwa Matyldy Burszty. Technika mieszana – kolaż i olej na płótnie, 90 × 120 cm. Romantyczny, filmowy portret kobiety – nieuchwytnej jak tytułowa zorza; warstwowa materia, barwne prześwity, puls światła.

Obraz „Let’s dive” (2023) autorstwa Marty Chudzik. Akryl na płótnie (technika własna), 120 × 90 cm. Abstrakcja inspirowana wodą; turkusowa paleta, strukturalna powierzchnia i wrażenie zanurzenia.

Obraz „I wanna be yours but only tonight” (2022) autorstwa Marty Chudzik. Technika mieszana na płótnie (akryl, markery/pisaki, pastele), 140 × 120 cm. Abstrakcja inspirowana street artem i graffiti: energiczny gest, typograficzne echa, warstwowa faktura.

Obraz „In light we trust” (2023) autorstwa Marty Chudzik. Akryl na płótnie (technika własna), 160 × 130 cm. Organiczna abstrakcja w odcieniach błękitu; minimalistyczna kompozycja i wyrazista faktura budują spokój oraz poczucie przestrzeni.

Obraz „Flowing river” (2023) autorstwa Marty Chudzik. Akryl na płótnie (technika własna), 180 × 100 cm. Abstrakcyjny nurt barw w odcieniach turkusu i czerni; wyrazista faktura nadaje głębię i ruch.

Obraz „Plaża Południowa” (2018) autorstwa prof. Mariusza Woszczyńskiego. Akryl na płótnie, 81 × 65 cm. Reportażowy zapis codzienności: turyści i plażowicze ujęci ekspresyjnym gestem, nasycona paleta i letnie światło.

Obraz „Bulwar” (2020) autorstwa prof. Mariusza Woszczyńskiego. Akryl na płótnie, 100 × 50 cm. Reportażowy kadr codzienności: rowerzysta i obserwatorki uchwyceni ekspresyjnym gestem, z harmonią żywych barw.

Obraz „Plaża” (2020) autorstwa prof. Mariusza Woszczyńskiego. Akryl na płótnie, 100 × 50 cm. Reportażowy zapis codzienności: plażowicze i rowerzysta ujęci ekspresyjnym gestem, z harmonią żywych barw.

Rysunek „Raven Ballet” (2022) autorstwa Małgorzaty Bańkowskiej. Tusz na papierze, 29,5 × 40,5 cm. Ekspresyjna kompozycja z serii MONO|STEREO, wykonana stalówką z kontrastem czerni i bieli; szkic notatnikowy o energii gestu.

Obraz „Whituś” (2023) autorstwa Anety i Filipa Gębskich – dzieło z cyklu MIRAGES, łączące fotografię i rysunek.

Obraz „Mu” (2022) autorstwa Franciszka Ledóchowskiego. Gestualna, introspektywna kompozycja balansująca między abstrakcją a znakiem – pulsująca materia, organiczne smugi i świetlisty akcent prowadzący wzrok ku centrum.

Obraz „Spirit” (2025) autorstwa Franciszka Ledóchowskiego. Akryl na płótnie. Nocny, świetlisty pejzaż wyobraźni: pulsujący krąg światła ponad półfiguratywnymi formami roślinnymi, gęsta impastowa materia i żywe kontrasty barw.

Obraz „Imaginare” (2025) autorstwa Franciszka Ledóchowskiego. Akryl na płótnie. Gestualna, impastowa abstrakcja – wibrujące strumienie koloru, organiczne kształty i świetlisty rdzeń kompozycji.

Instalacja „Owad” (2023) Magdy Maciaszek – cztery tafle pleksi, wielowarstwowe przedstawienie owada z cyklu „Dychotomia osobowości”.

„Thirst” (2022) Elżbiety Kubat to obraz wykonany techniką acrylic pouring. Płynne błękity i organiczne kształty tworzą abstrakcyjną kompozycję pełną energii i emocji. Oprawiony w ramę typu float z surowego drewna sosnowego.

„Thirsty Tree” (2022) Elżbiety Kubat to abstrakcyjne dzieło wykonane techniką acrylic pouring. Błękitne odcienie i organiczne formy tworzą wizualną harmonię oraz głębię, a rama typu float podkreśla trójwymiarowy charakter kompozycji.

„Motion 1” (2022) Elżbiety Kubat to obraz wykonany w technice pouring art. Artystka tworzy płynną, organiczną kompozycję inspirowaną ruchem fal i światłem odbitym na wodzie. Dzieło oprawione jest w elegancką ramę 3D.

„Motion 2” (2022) Elżbiety Kubat to obraz wykonany w technice pouring art — dynamicznym stylu malarstwa akrylowego, w którym farby wylewane na płótno tworzą organiczne, płynne struktury. Dzieło utrzymane jest w chłodnej tonacji błękitów i prezentowane w efektownej ramie 3D.

„Dekadencja” (2005) Bartłomieja Martensa to ekspresyjny obraz o symbolicznym znaczeniu, ukazujący upadek i odrodzenie w wymiarze duchowym i estetycznym. To dzieło, które prowokuje do refleksji nad przemijaniem i pięknem w jego schyłkowej formie.

„Metafizyka” (2017) Bartłomieja Martensa to malarska refleksja nad istnieniem i przemijaniem. W kompozycji łączącej figurację z abstrakcją artysta bada granice bytu, światła i formy, tworząc dzieło pełne symbolicznej głębi.

„Wewnętrzny Gwałt” (2018) Bartłomieja Martensa to mocna, introspektywna abstrakcja o psychologicznym ładunku. Zderzenie gestu, koloru i światła tworzy napięcie, które prowadzi od chaosu do oczyszczenia.

„Oczekiwanie” (2020) Bartłomieja Martensa to ekspresyjny obraz o głębokim nastroju, łączący tradycję malarską z nowoczesną formą. Dzieło emanuje emocją, subtelnym napięciem i refleksją nad czasem oraz obecnością.

„Absorbcyjna Sielanka” (2000) Bartłomieja Martensa to nastrojowa, refleksyjna kompozycja łącząca klasyczną wrażliwość z nowoczesnym językiem form. Subtelna gra kolorów i harmonijna konstrukcja wprowadzają do wnętrza spokój i poetycki rytm.

„Egocentryzm” (2014) autorstwa Bartłomieja Martensa to ekspresyjny obraz o silnym ładunku emocjonalnym. Dzieło bada granice ludzkiego ego i samotności, łącząc elementy abstrakcji z symbolizmem i głęboką introspekcją.

„Polowanie” (2022) Bartłomieja Martensa to ekspresyjny obraz wykonany techniką mieszaną – akryl, olej, tempera i tusz. Dzieło łączy klasykę z nowoczesnością, ukazując napięcie, dynamikę i symboliczny wymiar ludzkich instynktów.

Obraz „Polish pantone – summer edition” (2025) autorstwa Izabeli Siemiątkowskiej. Olej na płótnie z pastą woskową. Chłodna, rozświetlona abstrakcja: miękkie piony, horyzontalny „próg” światła i głębokie, morskie tony w dolnej partii.

Obraz „Wisła II” (2025) autorstwa Izabeli Siemiątkowskiej. Olej na płótnie z pastą woskową, 90 × 90 cm. Minimalistyczny pejzaż nad rzeką: ciemna, koncentryczna kopuła i jasny pas brzegu z drobnymi sylwetami.

Obraz „Wisła I” (2025) autorstwa Izabeli Siemiątkowskiej. Olej na płótnie z pastą woskową, 90 × 90 cm. Minimalistyczna scena: ciemna, koncentryczna „czasza” nad jasnym polem i drobnymi sylwetami jak na zimowym brzegu Wisły.

Obraz „Podglądaczka” (2025) autorstwa Izabeli Siemiątkowskiej. Olej na płótnie z pastą woskową. Scena podzielona na chłodny, niebieskawy kadr z sylwetką w cieniu i ciepłe, pomarańczowe wnętrze z profilem postaci – malarskie napięcie między obserwującym a obserwowaną.

Obraz „Kręgi VI” (2025) autorstwa Izabeli Siemiątkowskiej. Olej na płótnie z pastą woskową, 150 × 100 cm. Aerialna kompozycja w chłodnych szarościach i błękitach: koncentryczne łuki, drobne sylwety jak punkty na lodowej tafli.

Obraz „Kręgi V” (2025) autorstwa Izabeli Siemiątkowskiej. Olej na płótnie z pastą woskową, 150 × 100 cm. Aerialna kompozycja: ciemna, architektoniczna górna partia, jasna arena z siatką linii i drobnymi sylwetami; poniżej samotna figura w chłodnych błękitach.

Obraz „Kręgi VII” (2025) autorstwa Izabeli Siemiątkowskiej. Olej na płótnie z pastą woskową, 150 × 100 cm. Aerialna, nocna kompozycja: czarna półkula jak otchłań, wokół niej jasny pierścień z mikrosylwetami.

Obraz „Back to back”, 2024 autorstwa Izabeli Siemiątkowskiej. Olej na płótnie z pastą woskową. Monochromatyczna, nocna kompozycja: półkolista „czasza” czerni, pion z drobnych świateł i koncentryczne refleksy jak kręgi na wodzie. Olej + pasta woskowa, 150×100 cm

Obraz „Polish pantone II” (2024) autorstwa Izabeli Siemiątkowskiej. Olej na płótnie z pastą woskową. Chłodna, minimalistyczna abstrakcja: pionowe pasma, subtelne przetarcia i jasny, horyzontalny akcent światła.

Obraz „Krakry” autorstwa Izabeli Siemiątkowskiej. Olej na płótnie i pasta woskowa, format 150 × 100 cm. Subtelna abstrakcja w chłodnej, szarozielonej palecie z poziomym pasem światła i fakturowymi „pęknięciami”.

Obraz „Big Blue 16” (2024) autorstwa Magdaleny Purol. Akryl na płótnie, 50 × 50 cm. Nasycona, abstrakcyjna kompozycja w odcieniach błękitu. Cena: 2200 zł.