Paul Cézanne, urodzony w styczniu 1839 roku w Aix-en-Provence we Francji i tamże zmarły w październiku 1906 roku, był kluczową postacią francuskiego postimpresjonizmu. Jego innowacyjne prace miały ogromny wpływ na rozwój artystyczny XX wieku, a w szczególności na kształtowanie się kubizmu. Choć sztuka Cézanne’a przez większość jego życia spotykała się z niezrozumieniem i nieakceptacją ze strony ogółu, jego podejście, oparte na głębokiej osobistej ekspresji i szacunku do samych fundamentów malarstwa, przyczyniło się do przewartościowania tradycyjnych zasad sztuki dziewiętnastowiecznej. Jego prace i idee, podkreślające integralność dzieła niezależnie od przedstawianego motywu, zainspirowały wielu artystów XX wieku.
Paul Cézanne pochodził z zamożnej rodziny mieszczańskiej i odebrał klasyczne wykształcenie w Collège Bourbon w Aix. W 1858 roku, na życzenie swojego ojca – prosperującego bankiera, który pragnął, aby syn poszedł w jego ślady i wybrał tę samą ścieżkę zawodową – Cézanne rozpoczął studia prawnicze na Uniwersytecie w Aix-en-Provence. Szybko jednak okazało się, że prawo nie jest jego pasją. Od dziecka pociągała go sztuka, więc po dwóch latach, dzięki wsparciu matki, udało mu się przekonać ojca, by pozwolił mu na studiowanie malarstwa w Paryżu.
Pierwszy pobyt Cézanne’a w Paryżu trwał zaledwie pięć miesięcy. Jego niestabilna osobowość szybko doprowadziła go do głębokiej depresji, gdy zdał sobie sprawę, że jego umiejętności techniczne nie dorównują niektórym studentom Académie Suisse, miejsca, gdzie rozpoczął naukę. Wytrwał tam jednak przez jakiś czas, głównie dzięki wsparciu pisarza Émile’a Zoli, z którym zaprzyjaźnił się podczas nauki w Collège Bourbon. Powróciwszy do Aix, Cézanne podjął kolejną próbę dostosowania się do pracy w banku swojego ojca, ale po roku wrócił do Paryża, tym razem z mocniejszym postanowieniem, by tam pozostać. W swoim okresie formowania, od około 1858 do 1872 roku, Cézanne wielokrotnie przemieszczał się między Paryżem a Aix.
Początek lat sześćdziesiątych XIX wieku w Paryżu to czas bujnego rozkwitu na polu literatury i sztuki. W tym okresie nasilił się spór między realistami, których przewodził Gustave Courbet, a konserwatywną Académie des Beaux-Arts, odrzucającą dzieła niepasujące do akademickich ram neoklasycyzmu czy romantyzmu z corocznych wystaw, co równało się z brakiem akceptacji publicznej. W odpowiedzi na rosnące niezadowolenie artystów, cesarz Napoleon III w 1863 roku zainicjował utworzenie Salonu Odrzuconych, na którym prezentowano prace odmówione przez Salon Akademii. Dzieła te spotkały się z powszechną krytyką, co jednak umocniło ducha buntu wśród malarzy. Cézanne, oddalając się od akademickiego gustu, nawiązał współpracę z najbardziej postępowymi artystami tej epoki, takimi jak Édouard Manet, Camille Pissarro, Claude Monet, Pierre-Auguste Renoir czy Edgar Degas. Ci artyści, będący wówczas w wieku dwudziestu kilku lat, jak Cézanne, byli na etapie formowania swoich stylów, które później zdefiniowały impresjonizm, z wyjątkiem Maneta. Zola, przyjaciel Cézanne’a, był zapalonym zwolennikiem ich idei, jednak osobiste relacje Cézanne’a z innymi artystami początkowo utrudniała jego drażliwość i szorstkość, będące wynikiem skrajnej nieśmiałości i wahania nastrojów, które nie zgadzały się z ich otwartością. Niemniej, inspiracja ich rewolucyjnym zapałem skłoniła Cézanne’a do poszukiwania własnej drogi między wpływami Courbeta, innowatora w traktowaniu codziennych scen, oraz Eugène’a Delacroix, którego barwne kompozycje głęboko wpłynęły na jego pracę.
W tym czasie Cézanne kształtował styl pełen zaciętości i mroku, malując sceny z ostrych kontrastów światła i cienia, z wolnością i siłą ekspresji, która na owe czasy była wyjątkowa. Ta wczesna, dynamiczna faza pracy Cézanne’a, pełna wewnętrznej namiętności, stanowiła przedsmak odważnych innowacji fowizmu i modernistycznego ekspresjonizmu, szczególnie w pracach Maurice’a de Vlamincka i Georgesa Rouaulta.
Podczas wybuchu wojny francusko-pruskiej w lipcu 1870 roku, Cézanne wyjechał z Paryża do Prowansji, unikając w ten sposób powołania do wojska. Towarzyszyła mu Marie-Hortense Fiquet, którą poznał rok wcześniej i którą ostatecznie ożenił się w 1886 roku. Zamieszkali w Estaque, niewielkiej miejscowości na południu Francji, blisko Marsylii. W tym okresie Cézanne zwrócił się ku malowaniu pejzaży, dążąc do przedstawienia natury w sposób autentyczny i równocześnie do przekazania emocji, jakie wywoływała w nim widziana sceneria. Zaczęto dostrzegać w jego pracach wpływy impresjonizmu; w takich obrazach jak Śnieg w Estaque (1870–71) i Targ winny (1872), choć zachowały one strukturę charakterystyczną dla jego wcześniejszych dzieł, to już zauważalna jest większa dyscyplina i koncentracja na atmosferycznym efekcie światła, nie skupiając się na dramatyzmie.
Na początku 1872 roku Marie-Hortense i Paul Cézanne powitali na świecie syna. Wkrótce potem, za namową Camille’a Pissarra, przenieśli się do Pontoise w dolinie rzeki Oise. W tej lokalizacji oraz w niedalekim Auvers Cézanne zaczął na poważnie przyjmować lekcje impresjonizmu od Pissarra, jedynego z jego artystycznych przyjaciół, który miał wystarczająco dużo cierpliwości, by edukować go mimo wyzwania, jakim był jego skomplikowany charakter. Przez okres do 1874 roku, obaj artyści wspólnie malowali krajobrazy na zewnątrz, co było wówczas uznawane za nowatorskie podejście. Od tego czasu Cézanne skupił się niemal wyłącznie na pejzażach, martwych naturach i później także portretach. Pissarro zachęcił go do użycia jaśniejszych kolorów oraz do zastosowania charakterystycznych dla impresjonistów rozdrobnionych plam kolorów i krótkich pociągnięć pędzlem, które Cézanne włączył do swojej pracy, nadając im jednak inne znaczenie w swoich późniejszych dziełach. Mimo wpływów Pissarra, już wtedy w pracach Cézanne’a widoczna była jego niepowtarzalna wizja i inne zamiary niż impresjoniści. Chociaż stosował ich techniki, nie podzielał zainteresowania obiektywnym przedstawieniem rzeczywistości poprzez światło. Zamiast tego, koncentrował się na strukturze malowanych przedmiotów, już używając kubicznych form i linii architektonicznych. Jego pociągnięcia pędzlem, w przeciwieństwie do lekkich kresek impresjonistów, współtworzyły chromatyczną całość. Dom Samobójcy (1873) jest wyrazistym przykładem tych poszukiwań artystycznych.
W roku 1874 Cézanne wrócił do stolicy Francji, aby uczestniczyć w pierwszej oficjalnej wystawie impresjonistów. Mimo że jego dzieła zaprezentowane na tej i trzeciej wystawie w 1877 roku spotkały się z ostrą krytyką, nie przestał ciężko pracować, od czasu do czasu udając się do Prowansji, by czerpać inspirację z jej światła. Odwiedził Estaque w 1876 roku oraz Aix-en-Provence w 1878, gdzie musiał mierzyć się z krytyką despotycznego ojca, od którego wsparcia finansowego był wciąż zależny, gdyż jego obrazy nie znajdowały nabywców. Wyjątkiem od tej reguły był Victor Chocquet, znawca sztuki, którego portret namalował w 1877. Po drugiej wystawie impresjonistów Cézanne zaczął oddalać się od tego ruchu, choć nadal utrzymywał dobre stosunki z “pokornym i wspaniałym Pissarro”, z Monetem, “największym spośród nas”, oraz z Renoirem, których podziwiał. Jednak zrażony reakcją publiczności na swoje dzieła, stopniowo izolował się, zarówno w Paryżu, jak i w Aix, co ostatecznie doprowadziło do zakończenia jego długoletniej przyjaźni z Zolą. Przyczyniły się do tego nie tylko neurotyczna nieufność i zazdrość Cézanne’a, ale także rozczarowanie “popularnym” stylem pisania Zoli. Skłonności pierwszego do unikania towarzystwa i skupienie się na własnych celach sprawiły, że nie mógł tego postępowania u Zoli zrozumieć.
W latach izolacji, od końca lat 70. XIX wieku do początku lat 90., Cézanne wypracował swój charakterystyczny, dojrzały styl. Jego pejzaże z tego okresu, na przykład Morze przy L’Estaque (1878–79), mogą być uznane za pierwsze dzieła mistrzowskie dojrzałego artysty. Charakteryzują się one wielkimi, spokojnymi kompozycjami, w których równe pociągnięcia pędzlem kreują czysty efekt pryzmatyczny, a niewzruszone, szeroko rozlane morze dominuje na płótnie. Podobnie jak w przypadku wszystkich jego dojrzałych pejzaży, obrazy te wyróżniają się nowatorskim połączeniem głębokiej przestrzeni z płaskim projektem. Cézanne doskonale rozumiał, jak przedstawić solidność i głębię, używając koloru do zaznaczenia kształtów. „Dążę do oddania perspektywy wyłącznie za pomocą koloru” – mówił. Jego zdolność do odsiewania zbędnych elementów pozwalała analizować podstawowe składniki krajobrazu. W takich dziełach artysta dążył do odnalezienia za zasłoną zjawisk bardziej istotnej rzeczywistości, opartej na prostych kształtach: „Wszystko w naturze wzorowane jest na kuli, stożku i cylindrze. Trzeba nauczyć się malować, bazując na tych prostych formach”. Obrazy te oferują także wibrujące harmonie barw, które można odbierać jako całkowicie płaskie kompozycje, pozbawione głębokości. Innymi godnymi uwagi pejzażami z tego okresu są pryzmatyczne widoki Gardanne (Młyny w Gardanne, ok. 1885) oraz seria monumentalnych dzieł, w których góra Mont Sainte-Victoire staje się niemal mityczną postacią.
W swoich portretach, Cézanne wykorzystywał podobną technikę, co dało początek takim znakomitym dziełom jak „Madame Cézanne na żółtym fotelu” (1888-1890), „Kobieta z dzbankiem do kawy” (1890–94) i „Gracze w karty” (1890–92), ten ostatni będący tematem, który artysta eksplorował w pięciu wersjach. Z wyjątkiem scen z grą w karty, gdzie artysta skutecznie oddał poważną godność postaci, portrety Cézanne’a rzadko sugerują cechy charakteru modeli. Często traktuje tło z równą dokładnością co postać, a kolory twarzy są czasem mocno przekształcone, aby osiągnąć harmonię z ogólną kompozycją. Zasady te Cézanne stosował także w swoich wyjątkowych martwych naturach, których namalował ponad 200. Układał je niczym plany architektoniczne, nadając zwykłym przedmiotom wyrazistość i moc poprzez nasycone kolory i uproszczone formy.
Sztuka Cézanne’a, nasączona głębokimi uczuciami wywołanymi przez otoczenie, była równocześnie intensywnym intelektualnym poszukiwaniem rozwiązań problemów przedstawiania. Mimo że Cézanne darzył wielu malarzy podziwem, to jednak nie zgadzał się z celami żadnych z nich, poza własnymi. Uważał, że artyści, którzy opisywali wydarzenia, jak to czynili romantycy i mistrzowie renesansu, oraz ci, którzy ograniczali się do przedstawiania natury, jak impresjoniści, nie posiadali wyraźnie zdefiniowanego celu, który był charakterystyczny dla jego sztuki. Mimo to, nie był malarzem abstrakcyjnym w ścisłym tego słowa znaczeniu, ponieważ jego koncepcje strukturalne odnosiły się do rzeczywistości, a nie tylko do formy. W tym kontekście, stał się główną inspiracją dla malarzy kubizmu.
Po śmierci swojego ojca w 1886 roku, Cézanne uzyskał niezależność finansową. Wcześniej, ożenił się z Marie-Hortense, a po roku spędzonym w Paryżu w 1888, jego żona i syn zamieszkali tam na stałe. Cézanne osiadł w Aix, odwiedzając sporadycznie stolicę, Fontainebleau, szwajcarską Jurę oraz Giverny, gdzie Monet gościł. W 1895 roku, marszand Ambroise Vollard zorganizował pierwszą wystawę indywidualną Cézanne’a (prezentując ponad 100 jego prac), ale mimo rosnącego zainteresowania wśród młodych artystów i koneserów, szersza publiczność nadal nie przyjmowała jego twórczości z entuzjazmem.
Na przełomie XIX wieku sztuka Cézanne’a nabierała coraz większej głębi, bogactwa kolorystycznego i perfekcji kompozycyjnej. Artysta poczuł, że jest gotowy na przedstawienie świata w nowy sposób. W latach 1890-1905 stworzył szereg arcydzieł, w tym 10 wersji Mont Sainte-Victoire, trzy interpretacje Chłopca w czerwonej kamizelce, liczne martwe natury oraz serię obrazów “Kąpiące się”, gdzie dążył do odnowienia klasycznej tradycji nagości i badał jej związek ze skulpturalnym efektem i otaczającym krajobrazem. Jego praca była dla niego obsesją, wymagającą czasu, gdyż malował metodą, która nie pozwalała na pośpiech.
Cézanne zawsze miał trudności w nawiązywaniu kontaktów z ludźmi i będąc głęboko zasmuconym śmiercią swojej matki w 1897 roku, stopniowo oddalał się od swojej żony i przyjaciół z młodości. Na przełomie wieku jego sława zaczęła się rozprzestrzeniać, a ponieważ rzadko kiedy był widywany przez kogokolwiek, stał się postacią niemal legendarną. Wystawiał na corocznym, szeroko odwiedzanym Salonie Niezależnych w 1899 roku oraz na Wystawie Światowej w Paryżu w 1900 roku, a jego dzieła zaczęły być poszukiwane przez galerie. Kolekcja Caillebotte’a została otwarta w Galerii Luksemburskiej w Paryżu z dwoma obrazami Cézanne’a. Galeria Narodowa w Berlinie zakupiła pejzaż już w 1900 roku. Młodzi artyści szanowali go; w 1901 roku, młody symbolista Maurice Denis namalował „Hołd dla Cézanne’a”, obraz przedstawiający artystów podziwiających jedną z jego martwych natur.
Ostatni okres życia Cézanne’a, będący owocem intensywnej medytacji w samotności, osiągnął poziom liryzmu, realizując w swoim ujawnieniu życia w naturze to, co tylko najwięksi artyści mogą osiągnąć za swojego życia. „Krajobraz,” mówił, „staje się ludzki, staje się myślącą, żyjącą istotą wewnątrz mnie. Staję się jedno z moim obrazem…Łączymy się w irydyzującym chaosie.” W pozornej nieruchomości prowansalskiej wsi odnalazł geologiczne siły uwięzione w skałach, potężne soki przepływające przez drzewa. Za pomocą kilku lekkich pociągnięć pędzla ten chory i mizantropijny starzec, zamknięty w swoim studio, był w stanie tchnąć życie w ostatnie obrazy Mont Sainte-Victoire (1898–1902) oraz widoki Château-Noir. W ostatnich z wielkich obrazów Kąpiących się (1900–05) udało mu się zintegrować monumentalne akty z krajobrazem w swojej strukturalnej wizji rzeczywistości.
Cierpiący od dawna na cukrzycę Cézanne, w październiku 1906 roku, poddał się skutkom surowego przeziębienia, któremu uległ podczas pracy na polach. Zmarł kilka dni później, a jego miejsce spoczynku znajduje się w Aix-en-Provence.
Chociaż uznanie krytyków i akceptacja publiczna przyszły do Cézanne’a dopiero w ostatniej dekadzie jego kariery, jego dążenie do przejrzenia pozorów i dostrzeżenia logiki leżącej u podstaw struktury formalnej zawsze wzbudzało podziw wśród jego kolegów. Jego nadzieja, że jego obrazy będą służyć jako forma edukacji dla innych artystów, spełniła się, gdy wielu ważnych malarzy nabyło jego prace, w tym Paul Gauguin, Pablo Picasso, Pierre Bonnard, Kazimierz Malewicz, Henri Matisse i Marcel Duchamp. W 1907 roku w Salonie Jesiennym w Paryżu odbyła się retrospektywna wystawa jego dzieł (56 obrazów), która zdobyła znaczne uznanie. W tym samym roku Picasso stworzył swoje przełomowe „Panie z Awinionu” („Demoiselles d’Avignon”), jasno inspirowane pionierskimi „Kąpiącymi się” Cézanne’a z lat 1900–1905. Rzeczywiście, intelektualne podejście Cézanne’a do kwestii formalnych, zwłaszcza jego eksploracje przestrzenne, położyło fundament pod dalsze eksploracje kubizmu przez Picassa i innych artystów, podczas gdy jego badania nad kolorem i pociągnięciem pędzla wpłynęły na Matisse’a i innych artystów fowistów w pierwszej dekadzie wieku.
Na przestrzeni lat prace Cézanne’a zyskały również szacunek wśród szerszej publiczności, jednak jak zauważył jego pierwszy biograf, Julius Meier-Graefe, w 1904 roku,
Poza Van Goghiem, nikt nie postawił tak wielkich wymagań wobec estetycznej wrażliwości w sztuce nowoczesnej jak Cézanne.
Teraz Cézanne jest uznawany za kluczowego prekursora abstrakcji formalnej w malarstwie XX wieku, tworząc czysto malarski język, który łączył analizę z emocją i strukturę z liryzmem. Picasso dostarczył najbardziej trafnej oceny znaczenia Cézanne’a dla przyszłych pokoleń artystów, twierdząc, że był on „ojcem nas wszystkich”.
Źródła:
Bądź na bieżąco z nowościami o wydarzeniach w galerii Station of Art
Bądź na bieżąco z nowościami o wydarzeniach w galerii Station of Art
