Witamy w świecie, gdzie piasek i dystopia splotły się z pędzlem oraz ekranem, tworząc krajobraz pełen inspiracji, którego granice wyznacza jedynie nasza wyobraźnia. Zapraszamy w podróż po odnajdywaniu konotacji między sztuką artystów galerii Station of Art, a kultowym uniwersum ‘Diuny’ Franka Herberta, które od dziesięcioleci fascynuje nie tylko miłośników literatury science fiction, ale również twórców sztuki. Na stronach naszego bloga, pragniemy zaprezentować, jak możemy odnaleźć podobne motywy do ‘Diuny’ w sztuce artystów współpracujących z naszą galerią. Poniższy artykuł to nie tylko okazja do podziwiania dzieł sztuki, ale również przestrzeń do refleksji nad tym, jak uniwersalne tematy i wyzwania przedstawione w ‘Diunie’ znajdują odzwierciedlenie w naszej rzeczywistości. Zapraszamy do tej podróży przez pustynię Arrakis, gdzie każdy ziarno piasku to opowieść czekająca, by zostać odkrytą przez Was – naszych czytelników i miłośników sztuki.
Film “Diuna: Część Druga” miała swoją światową premierę 28 lutego 2024 roku. Ta amerykańsko-kanadyjska produkcja science fiction z 2024 roku pod reżyserią Denisa Villeneuve’a jest kontynuacją adaptacji filmowej powieści Franka Herberta, noszącej ten sam tytuł. Stanowi bezpośrednią kontynuację dzieła filmowego z 2021 roku, będąc drugą częścią serii. Film już w 2021 roku zgromadził rzeszę fanów, którzy z niecierpliwością przez trzy lata oczekiwali kolejnej części. “Diuna” była niezwykle nagradzana po swojej premierze oraz wysoko oceniana przez licznych krytyków. Film zdobył 6 Oscarów. Główną rolę, Paula Atrydy zagrał popularny i niezwykle utalentowany amerykański aktor filmowy – Timothée Chalamet. W produkcji pojawili się także inni znani aktorzy, jak: Zendaya, Rebecca Ferguson, Stellan Skarsgård, Josh Brolin, Javier Bardem. W najnowszej części do plejady gwiazd dołaczyli również: Austin Butler, Florence Pugh, Christopher Walken.
Akcja rozgrywa się w odległej przyszłości kosmosu, gdzie skupiono się na rozwijaniu ludzkiego umysłu zamiast na technologicznym postępie, co jest charakterystyczne dla uniwersum Diuny. Arrakis, zwana również Diuną, staje się kluczową planetą we wszechświecie ze względu na występowanie przyprawy, melanżu, która spowalnia proces starzenia i umożliwia przewidywanie przyszłości, co jest niezbędne do bezpiecznej podróży międzygwiezdnej. Melanż jest produktem cyklu życiowego czerwi pustyni – gigantycznych istot żyjących w pustynnych piaskach Arrakis. Mimo że planetę uważa się za niemal niezamieszkaną, domy szlacheckie i liczne plemiona Fremenów, tubylców adaptujących się do skrajnych warunków, tam żyją.
Diuna zostaje przydzielona rodzinie Atrydów jako lenno. Na planetę przybywają książę Leto i Atryda, jego konkubina lady Jessika, ich syn Paul i ich armia. Jednakże cesarskie rozkazy szybko okazują się być pułapką. Po przybyciu dojdzie do konfliktu z rodem Harkonnenów, którzy przez ostatnie 80 lat brutalnie wyzyskiwali zasoby planety. Śmierć księcia i ucieczka Jessiki oraz Paula na pustynię wydają się być ich końcem. Jednakże, przetrwają i wpadną w ręce Fremenów. Kontakt Paula z melanżem prowadzi do proroczych wizji przyszłości.
Diuna zachwyca swoją warstwą wizualną. Unikatowe elementy wizji przedstawienia Arrakis zaprezentowanej przez Denisa Villeneuve’a to: rozległe pustynne pejzaże, dynamiczne postacie oraz charakterystyczna, „przygaszona” paleta barw.
Poniżej zaprezentowany zostanie zbiór obrazów, wybranych przez ekspertów, które są dostępne w Station of Art Gallery. Obrazy w swojej wizji nawiązują do tajemniczego i pustynnego krajobrazu Diuny.
Piotr Horodyński to artysta o bogatym, interdyscyplinarnym podejściu, którego twórczość obejmuje szeroki wachlarz zainteresowań, sięgając od malowania po projektowanie i tworzenie literatury dziecięcej. Pasjonuje się sztuką od najmłodszych lat, co czyni ją nierozerwalną częścią jego życia. Poszukuje inspiracji w nowoczesnych technikach i formach graficznych. Jego prace artystyczne obejmują różnorodne role: od malarstwa, przez design, ilustracje, animację, fotografię, aż po pisanie tekstów piosenek i książek dla dzieci. Grafika komputerowa stanowi dla niego ważny środek wyrazu. Choć zajmuje się wieloma formami artystycznymi, malarstwo pozostaje dla niego najistotniejsze. Horodyński preferuje techniki olejne i akrylowe oraz inne tradycyjne metody, jak ołówek czy tusz. Unika jednoznacznych etykiet i nie identyfikuje się z konkretnym nurtem w malarstwie. Cechuje go eksperymentalne podejście do formy, stylu i tematu. Dużą wagę przywiązuje do detali, eksplorując aspekty formy w poszukiwaniu idealnego kształtu, kompozycji, koloru i faktury. Stylistycznie, jego dzieła często nawiązują do realizmu magicznego i surrealizmu, dzieląc się na trzy główne tematy: Przestrzenie, Formy i Iluzje. Horodyński zachęca do indywidualnej interpretacji, unikając prostych przekazów. Dąży do tego, by jego prace prowokowały emocje, skłaniały do głębokiej refleksji i otwierały umysły poza tradycyjne schematy myślenia.
Oto kilka prac artysty Piotra Horodyńskiego dostępnych w Station of Art Gallery, które przenoszą widza w świat fantasy, przypominający ujęcia z kultowego filmu:
Obraz Marzyciel, z 2010 roku Piotra Horodyńskiego prezentuje scenę zanurzoną w odległej, fantastycznej rzeczywistości, czerpiąc z estetyki realizmu magicznego i surrealizmu. Przeważające w dziele stłumione barwy, takie jak intensywna czerń, ciemne tonacje brązu, zieleni oraz szarości, kreują atmosferę pełną tajemniczości i zadumy, zachęcając odbiorcę do głębszego zagłębienia się w ukazany świat. W pracach Horodyńskiego często pojawiają się motywy snu, samotności, nieodzownej potrzeby zmiany oraz poszukiwania indywidualnej ścieżki. Obraz zatytułowany „Marzyciel” doskonale odzwierciedla te tematy, będąc alegorią na temat poszukiwania przeznaczenia i źródeł prawdziwej radości.
Obraz Oczekiwanie, 2022 Piotra Horodyńskiego to wyjątkowa kreacja malarska, stworzona przy użyciu techniki olejnej na gruntowanym płótnie o wymiarach 81 x 100 cm. Prezentuje ono fantastyczną wizję świata, z głębokimi odniesieniami do surrealizmu, co jest charakterystyczne dla jego artystycznego dorobku. Centralnym motywem obrazu są ruiny, symbolizujące przemijanie i ślady pozostawione przez upływ czasu w życiu każdego człowieka. Stanowią one metaforę naszych przeżyć i niepowodzeń, a zarazem są fundamentem, z którego można zbudować coś nowego. Światło na obrazie symbolizuje obietnicę odnowy. Oczekiwanie, mimo swego pozornie melancholijnego nastroju, kryje w sobie także nadzieję i zapowiedź przemiany.
Dzieła artystki Ewy Mróz wyróżniają się głęboką strukturą zestawioną z harmonijnymi, spokojnymi tonami sienny i umbry palonej. Artystka tworzy zarówno proste, jak i złożone pejzaże, które zapraszają do refleksji i ucieczki od codziennej rutyny. Jej prace, będące uosobieniem zmieniającej się i rozwijającej natury, oddają cykl życia w zgodzie z porami roku. Mróz wykorzystuje kontrastujące z dynamicznymi gestami elementy graficzne, takie jak kropki czy pionowe linie, aby przekazać duchowe połączenie z kosmosem. Jej obrazy dzielą się na trzy główne serie: SIMPLE MOMENTS, ELEMENTS i TRANSFORMATION OF AWAKENINGS, oferując widzom tyle interpretacji, ile są oni gotowi odbierać.
Obraz Ewy Mróz, zatytułowany „SEE THE VALUE IN EACH HUMAN BEING. WE ARE ALL EQUAL”, jest niezwykłym dziełem o wymiarach 170 x 80 x 4 cm, utworzonym na lnianym płótnie 3D. Dzieło to nie wymaga dodatkowej ramy, dzięki estetycznie jednolicie pomalowanemu bokowi o grubości 4 cm. Pejzaż ten, oscylujący wokół abstrakcji, inspiruje do rozbudzenia wyobraźni i poszukiwania osobistych interpretacji. Technika, którą stosuje Mróz, charakteryzuje się użyciem akrylu oraz specjalnej pasty strukturalnej importowanej z Holandii, co pozwala na osiągnięcie wyjątkowych tekstur i efektów. Centralne miejsce na płótnie zajmują dwie proste linie, będące kluczowym motywem serii “Transformacja Przebudzeń”, co pogłębia refleksję artystki na temat abstrakcji w sztuce współczesnej. Stonowana kolorystyka dzieła, nawiązująca do barw ziemi, ma za zadanie wyciszyć oraz zachęcić odbiorcę do kontemplacji i relaksu.
Niezwykle ciekawym przykładem wydaje się również sztuka artysty Andrzeja Maląga. Twórca ten poświęca się dwóm głównym obszarom w swojej działalności artystycznej: po pierwsze, malarstwu olejnemu, które wpisuje się w nurt realizmu magicznego, czerpiąc inspiracje głównie z literatury i kultur starożytnych; po drugie, tworzy ‘Foto-grafikę interferencyjną’ w środowisku cyfrowym, opierając się na fotografowanych obrazach interferencji wiązki laserowej przechodzącej przez specjalnie zaprojektowane apertury. Inspiracją dla tego kierunku jest przede wszystkim fizyka kwantowa i kosmologia. W obu przypadkach wyjątkowym produktem jest plik cyfrowy, który stanowi medium współczesnej ery, podobnie jak w przypadku muzyki współczesnej i nowej, gdzie elektronika jest uznawanym standardem twórczości.
W kwestii biografii i edukacji, znaczący wpływ na jego artystyczną wyobraźnię wywarło miejsce urodzenia – Szczecin, z jego portem, szerokimi wodami Odry i bliskością morza. Pasja do malarstwa rozpoczęła się już w dzieciństwie, w Pracowni Plastyki Pałacu Młodzieży w Szczecinie, a następnie kontynuowana była jako twórczość amatorska. Studia na Wydziale Elektroniki Politechniki Gdańskiej zakończone w 1974 roku, późniejsze doktorat (1983) i habilitacja (2004) w dziedzinie optoelektroniki półprzewodnikowej zdobyte w Warszawie, a także kariera zawodowa skupiona na projektowaniu i technologii laserów półprzewodnikowych, początkowo w ITE, a później w ITME, zaowocowały autorstwem i współautorstwem ponad 100 publikacji i patentów. Od 2019 roku, po zakończeniu kariery naukowej, nastąpiło odnowienie zainteresowania plastyką, wzbogacone doświadczeniem w dziedzinie technik optycznych.
Olejny obraz Andrzeja Malagą zatytułowany “Grey Harbour 2” został na płycie HDF, był werniksowany, następnie umieszczony w stylowej aluminiowej ramie. “Grey Harbour” (Szary Port) przywodzi na myśl atmosferę pełną tajemniczości i nawiązuje do starożytnych czasów. Praca ta odzwierciedla romantyczne zainteresowanie przeszłością i ruinami, które bywają wykorzystywane do symbolicznego przedstawiania nietrwałości bytu oraz przemyśleń nad kondycją ludzką. Ukazuje monumentalną, niczym jaskinię, przestrzeń, w której elementy architektoniczne splecione są ze skalnymi formacjami. Linie perspektywiczne kierują wzrok odbiorcy do centralnego punktu obrazu – malowniczego, zamglonego w oddali portu oraz kawałka morza. Mistyczne światło może być interpretowane jako symbol nadziei, duchowego przebudzenia lub transcendencji. Dominacja błękitów i szarości w palecie barw nadaje dziełu niepowtarzalny klimat tajemnicy i spokoju, zaś technika malarska artysty podkreśla efekt zamglenia i wilgoci, co potęguje wrażenie zanurzenia sceny w odległej przeszłości. To dzieło, wpisujące się w nurt realizmu magicznego, zaprasza nas do podróży po krainie fantazji i wyobraźni.
Twórczość Andrzeja Maląga w dziele “Transitions 1” objawia się jako unikatowa kreacja czerpiąca z fantazyjnej kosmologii. Wykorzystując innowacyjną technikę foto-grafiki interferencyjnej, artysta używa falowej natury światła jako narzędzia do malowania, tworząc efekt kwantowego przejścia między ‘górnym’ a ‘dolnym’ stanem, co wpisuje się w konwencję realizmu magicznego. Można również interpretować tę pracę jako aluzję do czasoprzestrzennego portalu. Wydanie to, numer 3 z limitowanej serii 20 kopii, zostało wykonane w technice fine-art na papierze wysokiej jakości. Obraz Andrzej Maląga z powodzeniem zdobi zarówno publiczne, jak i prywatne wnętrza. Maląg jest artystą, który ceni sobie oryginalność i innowacyjność w swoich dziełach, charakteryzujących się unikatowym stylem i starannym wykonaniem. “Transitions” jest niewątpliwie jednym z najbardziej wyjątkowych utworów artysty, odzwierciedlającym tematykę realizmu magicznego.
artyści Aneta Filip i Gębscy od ośmiu lat wspólnie rozwijają swoją artystyczną działalność, łącząc pasje w unikatowej technice, której wcześniej w sztuce nie było. Technika ta została nazwana przez nich MIRAGES. Ich twórczość to interakcja między fotografiami Anety i rysunkami Filipa, co pozwala na wzajemne inspirowanie się i tworzenie nowych wartości. Fotografia w ich wykonaniu to ciągłe eksploracje światła i cieni, które ujawniają ukryte detale, a także prezentowanie piękna w otaczającym nas świecie, pełnym metafor i iluzji. Proces tworzenia MIRAGES jest skomplikowany: fotografie są drukowane na specjalnym papierze idealnie przyjmującym rysunki, co pozwala na dodanie pracom nowego wymiaru. Technika rysunkowa zależy od pomysłu projektu i może wykorzystywać różne rodzaje ołówków, bez użycia gumki, aby nie uszkodzić delikatnej struktury papieru. Od pięciu lat prowadzą swoje autorskie Atelier w Warszawie, a od trzech lat współpracują z Jerzym Skolimowskim, dla którego zaprojektowali plakaty do filmu „EO”, nominowanego do Oskara i laureata Nagrody Jury w Cannes w 2022 roku. Ich dzieła zostały również zakwalifikowane na Międzynarodowe Biennale Plakatu w Warszawie.
Fotografia “Colibri” autorstwa Anety i Filipa Gębskich to wyjątkowa sztuka, w której zastosowano innowacyjną technikę MIRAGES, łącząc fotografie z rysunkiem. Ta artystyczna fotografia w czerni i bieli zachwyca i porusza, prezentując tajemniczego kolibra – symbol lekkości, prędkości i urody. Zastosowanie artystycznego podejścia w fotografii nadaje temu obrazowi głębię, przekształcając go w coś więcej niż tradycyjne zdjęcie.
“Iluzja 2” to dzieło autorstwa Anety i Filipa Gębskich, które reprezentuje wyjątkową metodę artystyczną znaną jako MIRAGES – innowacyjne połączenie fotografii z rysunkiem. Rysunek wykonany został przy użyciu miękkiego ołówka 9B, co umożliwiło stworzenie precyzyjnych i subtelnyc detali, dodając głębi i przyciągając uwagę widza. Dzieło oscyluje między realizmem figuratywnym a surrealizmem, czerpiąc inspirację z głębi ludzkiego wnętrza. Dominującym motywem “Iluzji 2” są wyraziste, pełne emocji oczy, co nadaje pracy charakter portretowy.
Fotografia “Capricornus” autorstwa Anety i Filipa Gębskich to intrygujące dzieło, które stanowiło katalizator dla ich innowacyjnej metody twórczej MIRAGES, łączącej elementy fotografii z rysunkiem. Ta fotografia charakteryzuje się głębokim oddziaływaniem emocjonalnym i inspirującą zawartością. Skupia się na odkrywaniu złożonych i często ukrytych aspektów ludzkiej natury, odsłaniając emocje, tęsknoty oraz aspiracje. “Capricornus” został stworzony z nadzwyczajną dokładnością i wnikliwością, dzięki czemu Aneta i Filip Gębscy z powodzeniem połączyli fotograficzne ujęcia z rysunkiem, w efekcie czego powstało unikatowe dzieło sztuki. Rezultat ich pracy zaskakuje oryginalnością, przyciąga uwagę i stymuluje wyobraźnię odbiorcy.
Ostatnim z zaprezentowanych w tym zestawieniu twórcą będzie wyjątkowo utalentowana artystka Karolina Sosnowska.
Karolina Sosnowska w swoich autorskich projektach porusza kwestie, które są dla niej ważne, często angażując się w tematy społeczne i podejmując trudne zagadnienia. W swojej twórczości wykorzystuje szeroki zakres technik, nie ograniczając się wyłącznie do narzędzi cyfrowych. W jej dziełach można znaleźć rysunki wykonane ręcznie, prace wykonane za pomocą sprayu czy techniką szablonu. Jest ona współtwórczynią Studia UL.
Karolina Sosnowska urodziła się 11 września 1983 roku w Rzeszowie. Swoje wykształcenie magisterskie uzyskała na wydziale grafiki Akademii Sztuk Pięknych w Warszawie w 2007 roku, realizując projekt “Negatywy” pod kierunkiem prof. Lecha Majewskiego. Kontynuowała naukę na poziomie doktoranckim na tej samej uczelni. Profesjonalnie związana jest z Warszawą, gdzie zajmuje się projektowaniem graficznym w różnorodnych dziedzinach, takich jak identyfikacja wizualna firm i wydarzeń, tworzenie publikacji, katalogów, albumów, plakatów, organizacja wystaw plenerowych oraz tworzenie innych, unikatowych form graficznych.
Artystyczna ilustracja, KOSMOS XIX , 2021, której motywem przewodnim jest wszechświat, stanowi unikalne połączenie różnych technik: akwareli, kredek i markerów. Jest to oryginalne dzieło stworzone przez doktorantkę Akademii Sztuk Pięknych w Warszawie, pod opieką profesora Lecha Majewskiego. Praca ta, wykonana w jednym egzemplarzu, przedstawia artystyczną interpretację kosmicznej rzeczywistości, inspirując się obrazami ciał niebieskich i galaktyk. Zastosowana przez artystkę własna metoda ilustracji pozwala na uzyskanie niepowtarzalnych efektów wizualnych, wzbogacając odbiór dzieła.
Źródła:
www.stationof.art
Bądź na bieżąco z nowościami o wydarzeniach w galerii Station of Art
2025 © SoA Gallery
Bądź na bieżąco z nowościami o wydarzeniach w galerii Station of Art
