Sztuka abstrakcyjna odnosi się do dzieł, które nie przedstawiają rzeczywistości w realistycznych formach wizualnych. Zamiast tego, abstrakcyjne kompozycje wykorzystują linie, kształty, gesturalne pociągnięcia, kolory lub symbole do wyrażania idei. Sztuka abstrakcyjna istnieje tak długo, jak długo człowiek tworzy. W rzeczywistości geometryczne abstrakcyjne symbole znaleziono w starożytnej sztuce.
W sztuce abstrakcyjnej linie, kształty, tekstury, formy, kolory lub wzory są używane w różnorodny sposób dla celów estetycznych i symbolicznych. Artyści abstrakcyjni połowy XX wieku nie przedstawiali rzeczywistości takiej, jaka była, lecz taką, jak ją sobie wyobrażali. Często redukowali znaczenie do prostych linii i form. Najwcześniejsze formy abstrakcji miały identyfikowalne odniesienia i zawierały myśli, idee, uczucia lub wyobrażenia artysty. Abstrakcja nie ogranicza się tylko do malarstwa, ale występuje również w rzeźbie, grafice i innych formach mediów oraz performansach.
Termin “abstrakcja” obejmuje sztukę, która nie jest figuratywna, obiektywna ani reprezentacyjna. Oznacza to, że zazwyczaj nie zawiera identyfikowalnych postaci, obiektów ani przedstawień poza liniami, kształtami i pociągnięciami pędzla. Abstrakcja jako ruch artystyczny jest szeroka i obejmuje wiele różnych nurtów i stylów, które rozwijały się od końca XIX wieku do dziś. Te ruchy i style często na siebie nakładały się, tworząc inne nurty, gdy artyści, którzy je rozwijali, zmieniali, ewoluowali lub modyfikowali swoje praktyki.
W historii nowoczesnej sztuki zachodniej abstrakcja zaczęła pojawiać się pod koniec XIX wieku. Na przełomie wieków, gdy zmiany technologiczne i rozwój naukowy znacząco zmieniały świat, sztuka również zaczęła się ewoluować. Artyści abstrakcyjni zaczęli pracować dla siebie, przesuwając granice tego, co można osiągnąć w sztuce.
Romantyzm i ekspresjonizm były dwoma ruchami artystycznymi prowadzonymi przez awangardę, które utorowały drogę czystej abstrakcji. Elementy abstrakcji zaczęły pojawiać się w ekspresjonizmie. Na przykład, w “Krzyku” (1893) Edvarda Muncha (1863-1944), figura i tło są bardziej abstrakcyjne niż to, co wcześniej tworzono. Te ruchy, w tym impresjonizm oraz neo- lub postimpresjonizm, były powiązane z anarchią i zmianami politycznymi.
Zainspirowani sukcesem tych awangardowych ruchów, nowocześni artyści zaczęli dekonstruować swoje techniki, co doprowadziło do rozwoju nurtów takich jak postimpresjonizm, fowizm i kubizm. Na przełomie wieków te ruchy zaczęły ewoluować w kierunku tzw. wysokiego modernizmu, który zawierał niewiele lub żadnych symbolicznych odniesień czy znaczeń zewnętrznych. W XX wieku abstrakcja podążyła dwoma odrębnymi ścieżkami: jedną, która dążyła do reprezentacji czystych form estetycznych, i drugą, która używała form abstrakcyjnych do wyrażania emocji lub ekspresji.
Istnieje wiele rodzajów sztuki abstrakcyjnej i różnych ruchów, które wyrosły z tego początkowego odejścia od sztuki figuratywnej. Niektóre z najbardziej znanych form abstrakcji to pointylizm, fowizm, ekspresjonizm, kubizm, futuryzm, konstruktywizm, suprematyzm, abstrakcja geometryczna, dadaizm, De Stijl, sztuka konkretna, tachizm, abstrakcyjny ekspresjonizm, art informel, liryczna abstrakcja, malarstwo hard-edge, malarstwo akcji, color field oraz op-art.
Słynni artyści, którzy byli pionierami tych ruchów, to Jackson Pollock (1912-1956), Robert Delaunay (1885-1941), Henri Matisse (1869-1954), Piet Mondrian (1872-1944), Lee Krasner (1908-1984), Helen Frankenthaler (1928-2011), Hilma af Klint (1862-1944), Marcel Duchamp (1887-1968) i wielu innych.
Zazwyczaj, kiedy ludzie myślą o sztuce abstrakcyjnej, na myśl przychodzi “Numer 5, 1948” Jacksona Pollocka. Dzieła Pollocka reprezentują najwyższą formę sztuki nieprzedstawiającej i abstrakcyjnego malarstwa, ponieważ nie zawierają żadnych odniesień do znaczenia czy wizualnej rzeczywistości. W końcu nowoczesna sztuka abstrakcyjna ustąpiła miejsca postmodernizmowi, który ponownie wprowadził postać i symboliczne odniesienia, gdy artyści i filozofowie krytykowali bezemocjonalny modernizm.
Współczesna sztuka obejmuje zarówno sztukę abstrakcyjną, jak i figuratywną, a także idee postmodernistyczne, ale odeszła od terminologii abstrakcyjnej na rzecz pojęcia sztuki konceptualnej. Za każdą sztuką kryje się koncept lub idea. Po zignorowaniu talentu i doświadczenia, przeceniona zachodnia perspektywa kulturowa staje się nieistotna, a idea stojąca za dziełem może być ważniejsza niż samo jego wykonanie.
Pointylizm, będący jedną z pierwszych form sztuki abstrakcyjnej, wywodzi się z impresjonizmu i jest zazwyczaj omawiany jako część neoimpresjonizmu. Został założony w 1886 roku przez francuskiego malarza Georges’a Seurata (1859-1891). Seurat był akademicko wykształcony w École des Beaux-Arts w stylu realizmu. Jednak w połowie lat 80. XIX wieku zaczął odchodzić od tradycyjnych metod malarskich.
Najbardziej znanym przykładem stylu pointylizmu jest obraz Seurata “Niedzielne popołudnie na wyspie Grande Jatte” (1884-1886). Początkowo krytycy sztuki określali punktowany obraz Seurata jako “pointylizm” z negatywnym wydźwiękiem. Jednak termin ten z czasem się przyjął i stracił swoje pejoratywne konotacje.
Pointylizm rozwijał się równolegle z dywizjonizmem. Dywizjonizm, zwany także chromoluminarizmem, był rodzajem malarstwa neoimpresjonistycznego, które oddzielało kolory na kropki lub plamy, które optycznie łączyły się, gdy widz oddalał się od płótna. Seurat był pod wpływem krytyka Charles’a Blanca (1813-1882) i jego książki “Grammaire des arts du dessin” (1867), która omawiała teorię koloru i widzenie w kategoriach naukowych.
Oba ruchy brały pod uwagę odkrycia naukowe dotyczące teorii koloru. Naukowcy tacy jak Michel Eugène Chevreul (1786-1889) i Ogden Rood (1831-1902) pracowali nad teorią koloru. Chevreul wprowadził pojęcie kontrastu równoczesnego, które mówi, że postrzeganie kolorów zmienia się w zależności od sąsiedztwa innych kolorów. W przeciwieństwie do dywizjonizmu, pointylizm skupiał się na użyciu kropek farby, a niekoniecznie na separacji kolorów.
Innym artystą, który pracował zarówno w stylu pointylizmu, jak i dywizjonizmu, był francuski malarz Paul Signac (1863-1935). Jego obraz “L’Hirondelle Steamer on the Seine” (1901) jest bardziej pointylizmem, podczas gdy “Portret Felixa Fénéona” (1890) ukazuje zainteresowanie ideą kontrastu równoczesnego.
Inne znane dzieła w stylu pointylizmu to “L’air du Soir” (1893) Henri Crossa, “Morning, Interior” (1890) Maximiliena Luce’a oraz “La Récolte des pommes” (1888) Camille’a Pissarro. Vincent van Gogh (1853-1890) także korzystał z elementów pointylizmu. Jego “Autoportret” (1887) zawiera kropki farby umieszczone obok siebie, ale zachowuje pewne tradycyjne techniki rysunkowe.
Chociaż prace Seurata, Signaca, Luce’a, van Rysselberghe’a, Crossa, Pissarro i van Gogha są reprezentacyjne, są zniekształcone, a ich głównym celem jest kombinacja kolorów i pociągnięć pędzla w sposób naukowy. Użycie stylu pointylizmu zmniejszyło się w latach 20. XX wieku, gdy trendy stały się bardziej abstrakcyjne.
Fowizm był ruchem artystycznym wczesnego XX wieku, założonym przez grupę artystów zwanych Les Fauves. Ruch ten trwał krótko, od 1904 do 1910 roku. Les Fauves mieli tylko trzy wystawy. Na Salonie Jesiennym w 1905 roku w Paryżu francuski malarz Henri Matisse (1869-1954) wystawił “Kobietę w kapeluszu”. Krytyk sztuki Louis Vauxcelles stworzył termin “Les Fauves”, aby opisać artystów takich jak Matisse, którzy wystawiali swoje prace w tym stylu. Vauxcelles nazwał ich tak ze względu na żywe kolory i dzikie pociągnięcia pędzla. W języku francuskim termin “Les Fauves” oznacza “dzikie bestie”.
Les Fauves skupiali się na tym, jak artyści widzieli świat wokół siebie, ale bardziej interesowali się silnymi, blokowymi kolorami i malarskimi jakościami niż realistycznym przedstawieniem. Fowizm charakteryzuje się uproszczonymi kompozycjami, abstrakcyjnymi tematami, grubymi pociągnięciami pędzla, wybuchami intensywnych kolorów i geometrycznymi kształtami.
Oprócz Matisse’a, do ważnych członków ruchu należeli André Derain (1880-1954), Maurice de Vlaminck (1876-1958) i Robert Delaunay. Obraz Deraina “Charing Cross Bridge, London” (1906) pokazuje przykład fowistycznego pejzażu z jego żywymi, nierealistycznymi kolorami. Został on wystawiony na Salonie Niezależnych w 1906 roku. “L’homme à la tulipe (Portret Jeana Metzingera)” (1906) Delaunaya został wystawiony na Salonie Jesiennym w 1906 roku, po którym Les Fauves rozpadli się.
Początkowe inspiracje dla fowistów to postimpresjonizm i pointylizm. Les Fauves byli uwolnieni od tradycji artystycznej. “Le bonheur de vivre” (1905-1906) Matisse’a ma podobieństwa do obrazów Paula Gauguina (1848-1903) z Tahiti. Na przykład, nasycone kolory i perspektywa używane do tworzenia dzieł są podobne. Fowiści czerpali również inspirację od Gustava Moreau (1826-1898), nauczyciela w École des Beaux-Arts i symbolistycznego malarza z lat 1890.
Kubizm i ekspresjonizm były ruchami artystycznymi, które rozwijały się w tym samym czasie. Georges Braque (1882-1963) ostatecznie współpracował z Pablem Picassem (1881-1973) nad doskonaleniem kubizmu. Podobnie jak fowizm, kubizm trwał tylko kilka lat, ale wywodził się z wolności, jaką artyści uzyskali po zerwaniu z tradycją artystyczną. Fowizm również odegrał ważną rolę w rozwoju abstrakcji XX wieku.
Ekspresjonizm, jako jeden z typów sztuki abstrakcyjnej, wywodzi się z ruchu postimpresjonistycznego. Ekspresjonizm narodził się jako ruch północnoeuropejski, który wpłynął na sztukę, muzykę, taniec, literaturę, teatr i poezję. Ekspresjonizm był szczególnie popularny w Niemczech podczas Republiki Weimarskiej (1919-1933). Jako ruch artystyczny, ekspresjonizm rozwijał się na początku XX wieku, aż do I wojny światowej. Krytycy zauważyli, że ekspresjonizm był reakcją przeciwko pozytywistycznemu podejściu, które było szczególnie reprezentowane przez impresjonistów. Innymi słowy, podczas gdy impresjoniści malowali urocze sceny świata wokół nich, ekspresjoniści często przedstawiali ciemniejszą stronę świata, zmieniającego się wraz z nadejściem technologii.
Za prekursora ekspresjonizmu uważa się Edvarda Muncha, który namalował “Krzyk” w 1893 roku. Wynalezienie fotografii skłoniło artystów do zastanowienia się, czym może być sztuka, jeśli nie musi przedstawiać rzeczywistości. Ekspresjoniści byli zainteresowani subiektywną perspektywą indywidualnego artysty i dostrzegali psychologiczny i dramatyczny potencjał płótna. Munch zdeformował swoje obrazy, aby odzwierciedlić emocje, a nie fizyczną rzeczywistość. Zamiast realistycznie przedstawiać most, Munch przedstawił emocjonalne, niemal koszmarne wydarzenie, bliskie jego własnej rzeczywistości, ale dalekie od widocznej rzeczywistości.
Specyficzną odnogą ekspresjonizmu, która rozwinęła się w Niemczech, był niemiecki ekspresjonizm. Ten rodzaj ekspresjonizmu popularyzował żywe, kanciaste pociągnięcia pędzla w odważnych kontrastach kolorystycznych z surowym wykończeniem. Wpływy na ekspresjonizm obejmowały kubizm, fowizm, sztukę afrykańską i oceaniczną, słowiańską sztukę ludową, a także średniowieczną sztukę niemiecką.
Istniały dwie główne grupy niemieckich ekspresjonistów: Die Brücke (Most) i Der Blaue Reiter (Błękitny Jeździec). Die Brücke pierwszy raz wystawiali jako grupa w 1905 roku pod przewodnictwem Ernsta Ludwiga Kirchnera (1880-1938) i składała się z jego kolegów ze szkoły architektonicznej, takich jak Emil Nolde (1867-1956). Miejski pejzaż tętniący energią był popularnym tematem dla Kirchnera. Na przykład, “Ulica, Berlin” (1913) Kirchnera przedstawia parę spacerującą po ulicy w Berlinie. Inni członkowie Die Brücke to Fritz Bleyl (1880-1966), Erich Heckel (1883-1970), Karl Schmidt-Rottluff (1884-1976), Otto Mueller (1874-1930) i Max Pechstein (1881-1955).
Rosyjski malarz Wassily Kandinsky (1866-1944), który mieszkał w Monachium, przewodził grupie Der Blaue Reiter, nazwanej tak od obrazu Kandinsky’ego “Der Blaue Reiter” z 1903 roku. Kandinsky wierzył, że każde pociągnięcie pędzla powinno być “dokładnym odzwierciedleniem wewnętrznej emocji”. Chociaż jego wcześniejsze prace, takie jak “Niebieska Góra” (1908-1909), zawierały formy reprezentacyjne w żywych, nierealistycznych kolorach, jego późniejsze obrazy abstrakcyjne, takie jak “Kompozycja VIII” (1923), zawierały bardzo mało form reprezentacyjnych.
Kandinsky stworzył poprzez swoje obrazy język wizualny, czerpiąc z kompozycji muzycznej. Jego ekspresjonistyczne płótna ostatecznie były pozbawione form reprezentacyjnych i zawierały tylko kolory i kształty odwołujące się do emocji związanych z mglistymi reprezentacjami rzeczywistości. Jego płótno z 1923 roku “Kompozycja 8” w Muzeum Guggenheima jest dobrym przykładem dzieła opierającego się na duchowym odczuciu. Innym członkiem grupy Der Blaue Reiter był Franz Marc (1880-1916).
Kubizm był kolejnym bardzo wpływowym ruchem wczesnego XX wieku. Rozwinięty w latach 1908-1914 przez hiszpańskiego artystę Pabla Picassa i francuskiego artystę Georges’a Braque’a, kubizm był inspirowany pracami Paula Gauguina i Paula Cézanne’a. Impresjoniści rozwinęli użycie różnych punktów widzenia, a postimpresjoniści wykorzystali spłaszczone płaszczyzny obrazów. Cézanne zaczął rozbijać swoje płótno na “wielopłaszczyznowe obszary farby”.
W czasie, gdy Picasso mieszkał w Paryżu, zainspirowany tymi pracami namalował “Les Demoiselles d’Avignon” (1907). To płótno przedstawia pięć kobiet zbudowanych z kanciastych części ciała i twarzy inspirowanych maskami afrykańskimi. Postacie były scalone z tłem i przedstawione z różnych punktów widzenia.
Większość badaczy uważa “Les Demoiselles d’Avignon” za pierwszy obraz kubistyczny, ale zauważają, że nie pokazuje on pełnego rozwoju stylu kubistycznego. Chociaż kubizm jest zazwyczaj uważany za wynalazek Picassa, to Braque doskonalił ten styl.
Odpowiadając na poglądy Cézanne’a, Braque namalował “Domy w L’Estaque” (1908). Kiedy Matisse zobaczył ten obraz, nazwał go zbiorem małych kostek, co dało nazwę ruchowi – kubizm. Braque zaczął rozbijać swoje płótno na kostki. Styl kubistyczny ostatecznie rozwinął się w rozdrobnione, kanciaste figury i trójkątne kształty, które przedstawiały wielość punktów widzenia lub perspektyw. “Portugalczyk” (1911) reprezentuje szczyt kubizmu. W oleju na płótnie mężczyzna siedzący w kawiarni grający na gitarze istnieje w płytkiej przestrzeni.
Innymi artystami pracującymi w stylu kubistycznym był hiszpański artysta Juan Gris (1887-1927), który najpierw malował w kubizmie analitycznym, potem przeszedł do kubizmu syntetycznego, zanim osiadł na kubizmie krystalicznym. Kubizm analityczny polegał na tradycyjnym rozbijaniu sceny i ponownym składaniu jej w częściach. Kubizm syntetyczny to budowanie scen poprzez format kolażowy z materiałami innymi niż farba, takimi jak papier. W okresie krystalicznym kubizmu, artyści preferowali geometrycznie abstrakcyjne tła, nakładające się płaszczyzny geometryczne i płaską płaszczyznę kompozycyjną. “Guitar and Pipe” (1913) jest przykładem pracy Grisa.
Artyści kubistyczni czerpali z fowistów i ekspresjonistów pragnienie wyrażenia siebie w innej formie sztuki, ale byli bardziej metodyczni niż ich odpowiednicy. Artyści kubistyczni rekonstruowali swoje sceny na podstawie geometrycznej abstrakcji tego, co widzieli, i odchodzili od ekspresjonizmu w traktowaniu kolorów. W kubizmie kolor był drugorzędny wobec struktury i projektowania przestrzennego, co prowadziło kubistów do używania stonowanych kolorów, takich jak beże.
Kubizm, podobnie jak wiele innych ruchów abstrakcyjnych, rozwijał się również w innych mediach artystycznych. W “Guitar” z lat 1912-1913 Picasso zastosował zasady kubistyczne do trójwymiarowej rzeźby. W ten sposób Picasso zainspirował ewolucję rzeźby, prowadząc do rozwoju konstrukcji, zamiast rzeźby wycinanej lub formowanej.
Kubizm był kluczowy dla rozwoju abstrakcji XX wieku, inspirując rozwój takich ruchów jak orfizm, purystyczny, futuryzm, suprematyzm, dadaizm, konstruktywizm, worticism i De Stijl.
Futuryzm, inspirowany kubizmem, rozwijał się głównie we Włoszech jako reakcja na rozwój technologii. Futuryści dążyli do uchwycenia prędkości i ruchu, które rozwijały się w niespotykanym dotąd tempie dzięki postępom technologicznym. Futuryzm był ruchem, który celebrował ruch i starał się go uchwycić w zgeometryzowanych formach. Powstał tuż przed I wojną światową i zainspirował twórców w różnych dziedzinach, prowadząc do rozwoju konstruktywizmu, surrealizmu, precyzjonizmu, rajonizmu, worticismu i dadaizmu.
Włoski poeta Filippo Tommaso Marinetti (1876-1944) ukłuł termin futuryzm w swoim “Manifeście Futuryzmu”. Manifest został po raz pierwszy opublikowany w 1909 roku w Mediolanie w “La Gazzetta dell’Emilia”, a następnie przedrukowany w popularnej francuskiej gazecie “Le Figaro”. Marinetti przedstawił w nim koncepcję, że młodzi artyści, poeci i kompozytorzy nie chcieli mieć nic wspólnego z przeszłością i tradycją sztuki. Interesowali się młodością, prędkością, technologią i triumfem ludzkości nad naturą.
W malarstwie i rzeźbie artyści starali się przedstawiać prędkość współczesnego życia. Ich płótna i rzeźby były naładowane dynamiczną energią i oddawały ruch. Włoski malarz i rzeźbiarz Umberto Boccioni (1882-1916) jest często wymieniany jako jedna z głównych postaci ruchu. Jego rzeźba “Jedyna forma ciągłości w przestrzeni” (1913) próbuje przedstawić postać idącą w czasie rzeczywistym.
Inny włoski malarz, Giacomo Balla (1871-1958), starał się uchwycić ruch na płótnie w dwóch wymiarach, jak w swoim obrazie “Abstrakcyjna prędkość – Samochód przejechał” (1913). Obraz ten próbował abstrakcyjnie uchwycić wiatr, który przemykał, gdy samochód przejeżdżał z prędkością 35 mil na godzinę, co wówczas było niezwykle szybkie.
Inni wybitni artyści futuryzmu to Carlo Carrà (1881-1966), Fortunato Depero (1892-1960), Sonia Delaunay (1885-1979), Marcel Duchamp (1887-1968), Gino Severini (1883-1966) i Luigi Russolo (1885-1947).
Sonia Delaunay namalowała “Bal Bullier” w 1913 roku. Jej kolorowe abstrakcyjne płótno przedstawiało pary tańczące na parkiecie paryskiego klubu nocnego. Delaunay i jej mąż Robert byli założycielami ruchu simultanizmu, który łączył kubizm z jaskrawymi kolorami fowizmu.
Marcel Duchamp wybrał formę nad kolorem i dokonywał kubistycznych wyborów stylistycznych w swoim “Akt schodzący po schodach nr 2” (1912). To przełomowe dzieło spotkało się z negatywnymi recenzjami, gdy zostało pokazane po raz pierwszy na Wystawie Kubizmu w Barcelonie w 1912 roku, a później na Wystawie w Arsenale w Nowym Jorku w 1913 roku. Początkowo opisane jako “eksplozja w fabryce gontów”, płótno to wykazywało zainteresowanie uchwyceniem ruchu. Duchamp stał się później liderem francuskiego ruchu dadaistycznego, który był reakcją na I wojnę światową.
Dadaizm był ruchem artystycznym, który rozpoczął się w Zurychu w Szwajcarii i trwał od 1915 roku do połowy lat 20. XX wieku. Dadaiści reagowali na okropności I wojny światowej, tworząc spontaniczne i zabawne dzieła, które graniczyły z satyrą. Artyści ci wierzyli, że mogą zmienić zbiorową mentalność i uświadomić innym absurdalność zniszczenia wojny. Niektórzy stwierdzili wręcz, że “sztuka jest martwa”, ponieważ uważali za bezużyteczne tworzenie pięknych rzeczy w świecie, który sam się niszczył.
Termin “dadaizm” został wybrany losowo, ale przekazuje szok, podziw i irracjonalność, które dadaiści promowali. Artyści dadaistyczni nie polegali na wcześniej ustalonych tradycjach artystycznych, lecz starali się zszokować Europejczyków swoimi spontanicznymi dziełami.
Jednym z najbardziej znanych członków grupy był Marcel Duchamp, który zszokował europejską publiczność, gdy narysował wąsy na reprodukcji jednego z najbardziej czczonych obrazów wszech czasów, “Mona Lisy” Leonarda Da Vinci (1452-1519). “L.H.O.O.Q.” Duchampa z 1919 roku został zatytułowany w ten sposób, ponieważ wymawianie liter po francusku brzmi jak wulgarne wyrażenie, co dodatkowo uwłaczało “Mona Lisie”. Nazywał to “ready-made” wspomaganym, ponieważ używał taniej pocztówki jako znalezionego obiektu, który stał się podstawą dzieła. W rzeczywistości Duchamp i inni dadaiści byli szczególnie zainteresowani tym, co nazywali znalezionym obiektem. Jednym z najsłynniejszych ready-made jest “Fontanna” Duchampa z 1917 roku, wykonana z pisuaru.
Amerykanin Man Ray (1890-1976) był przyjacielem Duchampa i tworzył dzieła z malarstwa, fotografii i znalezionych obiektów. Do swojej rzeźby “The Gift” Ray kupił te przypadkowe przedmioty w paryskim sklepie z artykułami gospodarstwa domowego i złożył je razem. W podobnym stylu, Austriak Raoul Hausmann (1886-1971) używał znalezionych obiektów do tworzenia swojej rzeźby “The Spirit of Our Time” (1919).
Inną formą dadaizmu był fotomontaż. Hannah Höch (1889-1978) stworzyła swoje dzieło “The Multi-Millionaire” w 1923 roku. Unikalne połączenie stylu kolażu kubistycznego wykonanego w technice fotomontażu stworzyło unikalny obraz wizualny, który komentował związek człowieka z przedmiotami, które produkował.
Sztuka dadaizmu miała być antyestetyczna. Jednak ironicznie dadaiści stworzyli nową estetykę, która przetrwała przez resztę stulecia.
W Rosji nowa forma kubizmu została nazwana suprematyzmem przez polsko-ukraińskiego artystę Kazimierza Malewicza (1879-1935). Malewicz zainicjował ten ruch podczas ostatniej wystawy futurystycznej w Petersburgu. W trakcie wystawy w 1915 roku Malewicz i inni artyści zaprezentowali dzieła w stylu suprematyzmu, które charakteryzowały się uproszczoną wersją kubizmu, zazwyczaj przedstawiającą płaskie, nieregularne prostokąty na czystym tle.
Suprematyzm opierał się na przekonaniu, że sztuka nie potrzebuje tematu. Najważniejszym aspektem była dominacja kształtu i koloru rozwinięta poprzez czyste artystyczne uczucia. Malewicz sam zaczął tworzyć dzieła w ramach kubizmu. Jego wczesne prace łączyły wpływy kubizmu, futuryzmu i grupy Der Blaue Reiter. Malewicz stworzył „gramatykę” języka suprematyzmu, która składała się z kształtów, zazwyczaj czarnych kół i kwadratów na białym tle. Jednak używał także białego na białym.
Kompozycja suprematystyczna Malewicza (1916) była inspirowana futuryzmem, ponieważ abstrakcyjnie przedstawiała samolot i próbowała uchwycić poczucie latania. Jednak była unikalnie suprematystyczna ze względu na kształty, uproszczoną kolorystykę i abstrakcję.
Inny rosyjski artysta, El Lissitzky (1890-1941), pracował w stylu suprematystycznym w latach 1919-1923. Inni wizjonerzy związani z suprematyzmem to Ilja Chasznik (1902-1929), Aleksandra Ekster (1882-1949), Lubow Popowa (1889-1924), Siergiej Senkin (1894-1963) oraz artysta i architekt Łazar Khidekel (1904-1986).
Grupa ta tworzyła abstrakcyjne dzieła suprematystyczne, ale wielu z nich przeniosło się do konstruktywizmu podczas rewolucji rosyjskiej w latach 1917-1923. Malewicz wydał czasopismo “Supremus” w celu rozpowszechniania idei suprematyzmu, jednak ze względu na rewolucję rosyjską nigdy nie zostało ono opublikowane.
Chociaż suprematyzm rozwijał się równolegle z konstruktywizmem, był całkowicie przeciwny swojemu kuzynowi. Suprematyzm oddzielał sztukę od przedmiotu, co oznaczało, że sztuka nie mogła służyć państwu ani religii. Suprematyści byli przeciwni użyteczności i walczyli o brak obiektywności w swoich dziełach. Konstruktywizm natomiast skupiał się na obiekcie i jego funkcji użytkowej.
Konstruktywizm jako ruch artystyczny rozpoczął się w Rosji około 1915 roku dzięki dwóm rosyjskim artystom-inżynierom zainteresowanym tym, jak obiekt artystyczny może być użyty funkcjonalnie. Tymi artystami byli Władimir Tatlin (1885-1953) i Aleksander Rodczenko (1891-1956). Rodczenko tworzył krótkie sekwencje wideo, trójwymiarowe dzieła sztuki i fotomontaże w stylu konstruktywistycznym.
Konstruktywizm początkowo inspirowany był nieprzedstawiającymi obiektami suprematyzmu Malewicza. Termin konstruktywizm pochodzi od preferencji do konstruowania płaskich i liniowych form, które sugerowały dynamiczną jakość i zawierały ruchome części.
Sygnalizowało to inny rodzaj rzeźby niż tradycyjna. Zamiast być formowana lub rzeźbiona, rzeźba konstruktywistyczna była składana z unikalnych materiałów, takich jak plastik i metal galwanizowany.
Przykładem rzeźby konstruktywistycznej jest “Model pomnika III Międzynarodówki” Tatlina (1919), często nazywany Tatlin Tower. Rzeźba ta, wykonana ze stali i szkła, obracała się codziennie z różnymi prędkościami i komentowała ewolucję ludzkości do najwyższego stanu, którym Tatlin uważał za państwo komunistyczne. Ponadto Tatlin skoncentrował się na przestrzeni jako głównym elemencie wieży, a nie masie, jak było w tradycji artystycznej.
Suprematystyczne kształty były wykorzystywane do pełnienia funkcji politycznych. El Lissitzky, którego wczesne prace mieściły się w kategorii suprematyzmu, później stworzył dzieła takie jak “Pobij białych czerwonym klinem” (1919). Lissitzky połączył język wizualny suprematyzmu ze swoimi przekonaniami politycznymi, tworząc ten kawałek propagandy bolszewickiej.
Zarówno suprematyzm, jak i konstruktywizm wpływały na wszystkie dziedziny życia. Te ruchy miały wpływ na De Stijl i rozwój sztuki abstrakcyjnej we współczesnym świecie.
Konstruktywizm zyskał popularność w Bauhausie, niemieckiej szkole artystycznej działającej w latach 1919-1933, która wykształciła jedne z najważniejszych nazwisk europejskiej sztuki abstrakcyjnej. Kiedy Bauhaus został zamknięty w 1933 roku, wielu artystów przeniosło się do Stanów Zjednoczonych. Przykładem są artyści Josef Albers (1888-1976) i jego żona Anni Albers (1899-1994), którzy najpierw uczyli w Bauhausie, a później odegrali kluczową rolę w Black Mountain College w Asheville, w Karolinie Północnej.
Abstrakcja geometryczna była jednym z dwóch głównych stylów abstrakcji, obejmując zarówno obiekty przedstawiające, jak i mieszankę nieprzedstawiających kształtów, form geometrycznych i kolorów. Skupia się ona na samej sztuce, a nie na zewnętrznej ekspresji, co stawia ją w opozycji do abstrakcyjnego ekspresjonizmu. W pewnym sensie termin ten obejmuje kilka ruchów artystycznych, które zyskały popularność w XX wieku. Wśród propagatorów abstrakcji geometrycznej byli Wassily Kandinsky, Kazimierz Malewicz (1879-1935) i Piet Mondrian (1872-1944). Popularne formy sztuki abstrakcyjnej to m.in. De Stijl i sztuka konkretna.
Holenderski ruch artystyczny zwany De Stijl, założony w 1917 roku, znany również jako neoplastycyzm, promował użycie podstawowych form, głównie prostokątów oraz linii poziomych i pionowych. Artyści związani z ruchem De Stijl używali wyłącznie czerni, bieli oraz podstawowych kolorów. Upraszczając swoje wizualne słownictwo, stworzyli zwięzły “język” sztuki.
Jednym z najbardziej znanych artystów De Stijl był Piet Mondrian. Mondrian zrezygnował z osobistej ekspresji i obiektywności w swoich obrazach, upraszczając język malarstwa do prostych linii, podstawowych kolorów i prostokątnych kształtów. Cztery elementy: linia, kolor, kształt i przestrzeń, uważał za część uniwersalnego języka, który miał promować harmonię w malarstwie. Jego racjonalnie zaprojektowane kompozycje, zwane tableau, wykorzystywały jedynie biel, czerń i trzy podstawowe kolory: czerwony, żółty i niebieski. Na przykład abstrakcyjne malarstwo Mondriana “Kompozycja II w czerwieni, błękicie i żółci” (1930) używało tylko tych kolorów oraz linii poziomych i pionowych do tworzenia prostokątów i kwadratów. Holenderski malarz i krytyk Theo van Doesburg (1883-1931) również malował w stylu De Stijl.
Termin “De Stijl” odnosi się zazwyczaj do sztuki tworzonej w ten sposób w Holandii w latach 1917-1931. Styl De Stijl przenikał do malarstwa, architektury, meblarstwa i projektowania graficznego w Holandii. W architekturze Gerrit Rietveld (1888-1964) wykorzystał te uproszczone kształty i czysty język wizualny popularizowany przez Mondriana do stworzenia Domu Schrödera w Utrechcie (1924). Rietveld używał również podstawowych kolorów i uproszczonych linii w swoich meblach, takich jak czerwono-niebieskie krzesło (1923).
Kiedy styl wpływał na artystów międzynarodowych, stał się znany jako styl międzynarodowy. Na przykład amerykański architekt Frank Lloyd Wright (1867-1959) był zainteresowany podobnym stylem jak Rietveld i starał się tworzyć wyraźny kontrast między swoimi budynkami a naturalnym światem. Innym architektem pracującym w tym stylu był Ludwig Mies van der Rohe (1886-1969), najbardziej znany z niemieckiego pawilonu (1929).
W latach 30. we Francji abstrakcyjni artyści byli zazwyczaj podzieleni na dwie kategorie: tych, którzy podchodzili do sztuki ekspresyjnie, i tych, którzy uważali, że sztuka nie powinna zawierać żadnych zewnętrznych odniesień. Krytycy zaczęli nazywać tę drugą kategorię zimną abstrakcją, a ekspresjonizm – ciepłą abstrakcją. Podobnie jak artyści ruchu De Stijl, twórcy sztuki konkretnej preferowali sztukę prostą, pozbawioną ozdobników, z jednolitym celem.
Termin “sztuka konkretna” został ukuty przez Theo van Doesburga w latach 30. Van Doesburg wierzył, że sztuka abstrakcyjna powinna charakteryzować się prostymi, nieskomplikowanymi strukturami i powinna porzucić subiektywność. Idealna sztuka według Van Doesburga składała się z bezosobowych elementów, takich jak linie i kolory, zamiast obrazowych odniesień, które wymagałyby wiedzy zewnętrznej.
Van Doesburg założył grupę Art Concret, która jednoczyła artystów pod tym sztandarem. Art Concret wystawiali razem tylko kilka razy przed śmiercią Van Doesburga w 1930 roku. Ruch promował geometryczną sztukę całkowicie abstrakcyjną. Do członków Art Concret należeli Otto G. Carlsund (1897-1948), Leon Tutundjian (1905-1968) i Jean Hélion (1904-1987).
W 1930 roku Art Concret opublikował manifest w czasopiśmie “Revue Art Concret”. Manifest ten zawierał podstawowe zasady malarstwa konkretnego. Artyści grupy wierzyli, że sztuka powinna być uniwersalna, co oznaczało, że nie powinna wymagać zewnętrznej wiedzy do jej zrozumienia. Odrzucali symbolizm i dramat, nie chcieli, aby ich prace zawierały jakiekolwiek znaczenie poza samym dziełem. W ten sposób sprzeciwiali się impresjonistycznym tendencjom i uważali, że malarstwo powinno być mechaniczne.
Jednak Van Doesburg wykluczył artystów, których prace nie były całkowicie abstrakcyjne. Ci wykluczeni artyści, wraz z nieformalnym liderem Joaquínem Torres-Garcíą (1874-1949), utworzyli grupę Cercle et Carré. Belgijski krytyk Michel Seuphor (1901-1999) również był członkiem Cercle et Carré. Grupa ta miała podobieństwa do Art Concret, ale pozwalała na obecność ekspresyjnych lub reprezentacyjnych tendencji w dziełach sztuki.
Chociaż Van Doesburg był siłą napędową ruchu Art Concret, termin ten został spopularyzowany przez prace szwajcarskiego architekta i artysty Maxa Billa (1908-1944). Przykładem publicznej rzeźby Billa jest “Endlose Treppe” (Nieskończone schody) w Ludwigshafen. Rzeźba składa się wyłącznie z bloków ustawionych jeden na drugim i nałożonych na siebie. Jest prosta, bez dramatu, zewnętrznego znaczenia czy dydaktycznego przesłania, co czyni ją przykładem ruchu sztuki konkretnej.
Drugim z głównych stylów sztuki abstrakcyjnej był ekspresjonizm abstrakcyjny, znany również jako post-malarska abstrakcja. W ramach tego ruchu artystycznego twórcy dążyli do wyrażania swoich emocji poprzez sztukę abstrakcyjną. Było to szczególnie istotne w latach po II wojnie światowej, kiedy artyści starali się zmierzyć z przerażającymi doświadczeniami, które przeżyli. Termin ten służył jako ogólne określenie dla artystów łączących ekspresjonizm ze sztuką abstrakcyjną. Ci artyści czerpali z ekspresywnych tendencji twórców takich jak Van Gogh i Gauguin, łącząc je z zasadami abstrakcji. Rozwijali swoje prace na bazie ruchu niemieckiego ekspresjonizmu. Ruch ekspresjonizmu abstrakcyjnego rozpoczął się w Nowym Jorku w latach 40. XX wieku i często jest uważany za przyczynę przesunięcia centrum świata sztuki z Paryża do Nowego Jorku.
Ekspresjoniści abstrakcyjni malowali z intensywnymi emocjami, eliminując przy tym postać z płótna. Indywidualni artyści czerpali z własnych emocjonalnych doświadczeń, tworząc dzieła ekspresjonizmu abstrakcyjnego. Przykładami takich artystów są Clyfford Still, Willem de Kooning (1904-1997), Arshile Gorky (1904-1948), Mark Rothko, Lee Krasner, Robert Motherwell (1915-1991), Franz Kline (1910-1962), Adolph Gottlieb (1903-1974), David Smith (1906-1965), Hans Hoffmann (1880-1966) i Joan Mitchell (1925-1992).
Pionierem techniki drip painting i czołową postacią tego stylu abstrakcji był amerykański artysta Jackson Pollock. Aby stworzyć swoje monumentalne płótna, Pollock kładł je płasko na podłodze i kapał, rzucał oraz chlapał farbą na płótno. Tworząc “Autumn Rhythm (Number 30)” (1950), Pollock używał szerokich gestów, tanecznych ruchów i gwałtownych machnięć, aby połączyć farbę z płótnem. W ten sposób Pollock wierzył, że staje się częścią obrazu zarówno fizycznie, jak i psychologicznie. Pollock studiował pojęcie nieświadomości Carla Junga i wierzył w teoretyczne argumenty dotyczące nieświadomej ekspresji w sztuce. Jego żona Lee Krasner zyskała ostatnio sławę dzięki własnej praktyce artystycznej, w której studiowała prace de Kooninga i rozwijała swoje unikalne, kobiece dzieła w stylu ekspresjonizmu abstrakcyjnego.
Niektóre bardziej specyficzne ruchy artystyczne były inspirowane przez ekspresjonizm abstrakcyjny i są zazwyczaj opisywane jako funkcjonujące w jego ramach. Należą do nich malarstwo akcji, płaszczyzna koloru, abstrakcja liryczna, sztuka informalna i taszyzm.
Abstrakcja liryczna odnosi się do specyficznego nurtu w sztuce, który pojawił się po II wojnie światowej. Styl ten był przeciwwagą dla kubizmu, surrealizmu, minimalizmu oraz geometrycznej abstrakcji. Termin “liryczna” odnosił się do malarskiego charakteru tego stylu. Prace w tym stylu charakteryzowały się luźnym malowaniem oraz iluzjonistycznymi przestrzeniami. Do technik używanych w tworzeniu lirycznych abstrakcji należały luźne pociągnięcia pędzla, plamienie akrylem oraz malowanie kroplowe. Przykładowo, Mark Rothko używał plamienia, a Jackson Pollock malowania kroplowego. W tej formie sztuki obrazy były postrzegane jako dosłowne przedmioty same w sobie, a nie jako reprezentacje innych form. Artyści pracujący w tym stylu dążyli do tworzenia zmysłowych, romantycznych i luźno gestycznych prac w lirycznym, malarskim stylu.
Arshile Gorky (1904-1948) używał terminu “liryczna” do opisywania swojej abstrakcyjnej twórczości od lat 40. XX wieku. Termin ten wszedł do powszechnego użytku w świecie sztuki w marcu 1951 roku, kiedy Michel Tapié (1909-1987) zorganizował wystawę “Vehemences Confrontees” w galerii Niny Dausset. Na wystawie zaprezentowano prace zarówno francuskich, jak i amerykańskich artystów. Tapié, omawiając wystawę, stwierdził, że “narodziła się abstrakcja liryczna”. Jednak współcześnie termin ten bywa kontrowersyjny, gdyż ma tendencję do upraszczania wielu różnorodnych stylów malarskich pod jednym pojęciem.
W latach 60. i 70. XX wieku, termin “abstrakcja liryczna” zyskał na popularności w Nowym Jorku, Los Angeles i Waszyngtonie, kiedy artyści zaczęli sprzeciwiać się minimalizmowi, argumentując za malarskim podejściem do abstrakcji. Podobne zjawisko miało miejsce w Europie w latach 70., kiedy artyści tacy jak Paul Kallos (1928-2001), Georges Romathier (1927-2017) i Thibaut de Reimpré (ur. 1949) przyczynili się do odrodzenia tego ruchu artystycznego.
W Europie abstrakcja liryczna była znana jako Abstraction Lyrique. Do artystów tego nurtu należeli Jean José Marchand (1920-2011), pracujący w stylu taszyzmu, Hans Hartung oraz Georges Mathieu (1921-2012). Inni europejscy artyści, których prace graniczyły z lirycznością, to Wassily Kandinsky, Serge Poliakoff, Pierre Soulages i Jean Messagier. W rzeczywistości wielu amerykańskich artystów mieszkało i pracowało w Europie w latach 40., takich jak Sam Francis, Jules Olitski i Joan Mitchell. Krytycy sztuki sugerowali, że termin i użycie europejskiej Abstraction Lyrique były próbą przywrócenia centrum świata sztuki do Paryża, po krótkim okresie dominacji Nowego Jorku.
Amerykańscy artyści starali się ożywić abstrakcję liryczną w Nowym Jorku i Waszyngtonie. Do tych artystów należeli Walter Darby Bannard (1934-2016), Ronald Davis (ur. 1937), Helen Frankenthaler, Cleve Gray (1918-2004), Ronnie Landfield (ur. 1947), Robert Natkin (1930-2010) i Dorothy Gillespie (1920-2012). Jednak nowy realizm artystów takich jak Yves Klein (1928-1962) stał się dominującym stylem, inspirując artystów na całym świecie.
Malarstwo akcji było nurtem w sztuce abstrakcyjnej w latach 40. do 60. XX wieku, który istniał w ramach abstrakcyjnego ekspresjonizmu. Było inspirowane i ściśle związane z nowojorską szkołą ekspresjonizmu oraz francuskim taszyzmem. Był to trend w ruchu abstrakcyjnego ekspresjonizmu, który podkreślał fizyczny akt malowania ponad końcowy produkt. Ruch ten był reakcją na okropności II wojny światowej. Artyści uważali, że jest to sposób na wyrażenie swoich wewnętrznych emocji, a nie na przedstawianie rozpoznawalnych obiektów.
Pionierem malarstwa akcji był Jackson Pollock, który używał wielu gestycznych pociągnięć pędzla i spontanicznie nakładał farbę na swoje płótno. Prace Pollocka były pozbawione narracyjnego znaczenia, znanych symboli lub znaków. Jego monumentalne płótna badały jego wewnętrzne emocje. Przykładem takiego dzieła jest “Number 1A, 1948”. Tytuł nie zawiera kontekstu narracyjnego. Pollock wierzył, że chaos na płótnie oddaje jego wewnętrzne ja. Duża część procesu tworzenia była aktem performatywnym. Pollock umieszczał wielkie płótno na podłodze i rzucał, kapał oraz malował farbą w agresywny i performatywny sposób. W rzeczywistości, otwierał jedno z wiader z farbą i wyciskał ją bezpośrednio na płótno, dodając również swoje własne odciski dłoni.
Inni artyści, którzy tworzyli sztukę poprzez akcję, to Sam Francis, Willem de Kooning, Elaine de Kooning (1918-1989), Michael Goldberg (1924-2007), Lee Krasner, Grace Hartigan (1922-2008), Franz Kline, Joan Mitchell i Philip Guston (1913-1980).
Termin dla tego nurtu został zdefiniowany przez Harolda Rosenberga. Rosenberg sugerował, że prawdziwą sztuką jest sam akt tworzenia dzieła, a nie samo dzieło. Ta koncepcja była diametralnie przeciwna do myśli Clementa Greenberga, który uważał, że sztuka staje się sztuką dopiero wtedy, gdy jest tak postrzegana. Teoria Rosenberga miała wpływ na rozwój takich ruchów artystycznych jak Fluxus, sztuka konceptualna, sztuka performatywna i instalacyjna.
Art Informel to ogólny termin określający ruch artystyczny obejmujący kilka unikalnych trendów w sztuce, takich jak abstrakcja liryczna, taszyzm i art brut. Ruch ten jest europejską wersją abstrakcyjnego ekspresjonizmu i był popularny w latach 40. i 50. XX wieku we Francji. Był częścią niegeometrycznej sztuki abstrakcyjnej tego okresu, co oznacza, że czerpał z sztuki nieprzedstawiającej. Art Informel całkowicie pozbawiony był jakichkolwiek formalnych cech czy tradycji obrazowych w malarstwie i sztuce. Ruch ten pozwalał artystom na swobodne eksplorowanie swoich wewnętrznych uczuć.
Artyści tego ruchu nie martwili się o to, czy sztuka będzie zrozumiana w tradycyjny sposób. Nie używali rozpoznawalnych obiektów, znaków, symboli ani tradycyjnych markerów narracyjnych. Zamiast tego, tworzyli swój własny, indywidualny i prywatny język, aby wyrazić siebie w sztuce.
Jednym z artystów tego ruchu był urodzony w Hiszpanii, ale mieszkający we Francji Laurent Jimenez-Balaguer (1928-2015). Prace Jimenez-Balaguer miały charakter performatywny. Używał gestycznych pociągnięć pędzla i traktował malowanie płótna jako część samej sztuki.
Jedną z gałęzi ruchu byli artyści pracujący w abstrakcji kaligraficznej. Oznaczało to, że używali elementów pisma lub form przypominających pismo w swoich dziełach. Znani artyści w tej dziedzinie to Hans Hartung (1904-1989), Pierre Soulages (1919-2022) i Georges Mathieu (1921-2012). Do artystów tworzących w stylu Art Informel należeli także Sam Francis (1923-1994), Pablo Serrano (1908-1985), Jean Dubuffet (1901-1985) i Jean Paul Riopelle (1923-2002).
Wielu artystów numerowało swoje płótna, aby usunąć wszelkie elementy narracyjne. Hartung stworzył swoje dzieło “T1989-A4” w 1989 roku, wykorzystując technikę plamienia i gestyczne pociągnięcia pędzla. Nie ma wątpliwości, jak ważny był ten ruch dla rozwoju sztuki nowoczesnej.
Częścią ruchu Art Informel był taszyzm, który był głównie reakcją na ekspresjonizm, tak popularny na przełomie wieków. Po zapoczątkowaniu w Ameryce, ruch abstrakcyjnego ekspresjonizmu przyjął mniej agresywną, ale równie popularną formę w Europie w latach 40. i 50. XX wieku. We Francji w tym okresie abstrakcja geometryczna była mniej popularna, a artyści byli zainteresowani wyrażaniem swoich wewnętrznych uczuć poprzez abstrakcję.
Taszyzm był inspirowany kubizmem i brakiem formy w ruchu Art Informel. Artyści pracujący w tym stylu nie prezentowali obiektywności, ale jedynie uczucia i ekspresję wyrażane na abstrakcyjnym płótnie.
Podobnie jak malarstwo akcji spopularyzowane przez Jacksona Pollocka w Ameryce, taszyzm charakteryzował się spontanicznymi pociągnięciami pędzla, które powstawały w chwili tworzenia. W ten sposób artyści mieli swobodę chlapania, kapania i rozlewania farby na płótno w organiczny i nieskrępowany sposób.
Termin “taszyzm” pochodzi od francuskiego słowa “tache”, które oznacza “plamę” i odnosi się do metody plamienia płótna, popularnej wśród artystów takich jak Jean Messagier (1920-1999), Serge Poliakoff (1900-1969) i Sam Francis (1923-1994).
Wielu artystów pracowało w stylu taszyzmu, w tym Jean-Paul Riopelle (1923-2002), Jean Dubuffet (1901-1985), Pierre Soulages (1919-2022) i Hans Hartung (1904-1989).
Malowanie płaszczyzny koloru było jednym z ruchów sztuki abstrakcyjnej, skupiającym się na dużych, jednolitych obszarach koloru, które dominowały na powierzchni obrazu. Artyści stosowali różne techniki, aby uzyskać efekt płaszczyzny koloru, takie jak plamienie i natryskiwanie farby na płótno. Termin ten odnosił się do trendu z połowy XX wieku, który rozpoczął się w Nowym Jorku w latach 40. i 50. XX wieku jako reakcja na takich artystów jak Pollock. Styl ten przeniósł się z Nowego Jorku do Waszyngtonu, gdzie dominowali Kenneth Noland (1924-2010) i Morris Louis (1912-1962). Malowanie płaszczyzny koloru stało się popularne także w Kanadzie, Wielkiej Brytanii i Australii. Przykładem abstrakcyjnego malarstwa w tym stylu jest “Beginning” (1958) autorstwa Nolana.
W latach 60. artyści związani z malowaniem płaszczyzny koloru zaczęli odchodzić od ekstremalnego emocjonalnego wyrazu abstrakcyjnego ekspresjonizmu i malarstwa akcji na rzecz bardziej spokojnego stylu blokowania koloru. W tym stylu kolor sam w sobie stawał się przedmiotem obrazu, a nie reprezentacją innego obiektu.
Jednym z najbardziej znanych malarzy płaszczyzny koloru był amerykański artysta Mark Rothko (1903-1970). Po wpłynięciu na niego przez miejskie sceny i surrealizm w latach 30. i 40., Rothko rozwinął te niefiguratywne dzieła, takie jak “Number 13 (White, Red on Yellow)”, które znajduje się w Metropolitan Museum w Nowym Jorku. Rothko był inspirowany przez Clyfforda Stilla (1904-1980), który używał koloru do wywoływania nastrojów w swoich abstrakcyjnych ekspresjonistycznych pracach.
Inną amerykańską artystką pracującą w stylu płaszczyzny koloru była Helen Frankenthaler (1928-2011), której słynne dzieło “Mountains and Sea” (1952) przedstawia nowatorską technikę plamienia, łączącą technikę wylewania farby Pollocka z polami kolorów Rothko.
Do ważnych malarzy płaszczyzny koloru należeli także Robert Motherwell, Barnett Newman (1905-1970) i Arshile Gorky. Wielu artystów zaczynających jako abstrakcyjni ekspresjoniści kontynuowało pracę w stylu płaszczyzny koloru. Inni twórcy to Sam Francis (1923-1994), Sam Gilliam (1933-2022), Gene Davis (ur. 1952), Jules Olitski (1922-2007) i Frank Stella (ur. 1936). Nacisk na obszary koloru trwał nawet po ponownym wprowadzeniu obiektów i figuracji do sztuki postmodernistycznej.
W latach 50. XX wieku w Stanach Zjednoczonych popularność zyskał specyficzny rodzaj sztuki abstrakcyjnej. Blisko związany z abstrakcją geometryczną i malowaniem płaszczyzny koloru, główną cechą malarstwa twardej krawędzi była gwałtowna zmiana między jednym kształtem a następnym. Forma ta dzieliła z malowaniem płaszczyzny koloru charakterystyczne dla dużych bloków kolorów, jednak malowanie płaszczyzny koloru również obejmowało luźniejsze pociągnięcia pędzla i nie wymagało, aby wszystkie krawędzie były ostre i wyraźne.
Aby osiągnąć efekt twardej krawędzi, artyści używali szybko schnącej farby akrylowej i jednolitego nakładania, a także taśmy do tworzenia kształtów i precyzyjnych linii. W rzeźbie skutkowało to minimalizmem.
Dobrym przykładem tego jest obraz amerykańskiego malarza Ellswortha Kelly’ego (1923-2015) “Blue, Green, Yellow, Orange, Red” (1966). Pięć kolorów jest precyzyjnie podzielonych jeden po drugim.
Jednym z pojęć, które kierowały malarstwem płaszczyzny koloru i malarstwem twardej krawędzi, było to, że obraz był tylko płaską kolorową powierzchnią i nie niósł żadnego zewnętrznego znaczenia. W rzeczywistości amerykański artysta Frank Stella (ur. 1936) powiedział, że obraz to “płaska powierzchnia z farbą na niej – nic więcej”. Ikoniczne obrazy Stelli łączyły malarstwo twardej krawędzi z minimalistyczną rzeźbą. Przykładami są “Harran II” (1967) i “Agbatana III” (1968).
Inni artyści twardej krawędzi to Karl Benjamin (1925-2012), Lorser Feitelson (1898-1978), Frederick Hammersley (1919-2009), June Harwood (1933-2015) i Helen Lundeberg (1908-1999).
Termin Op-art po raz pierwszy pojawił się w artykule z 1964 roku, dotyczącym wystawy polskiego artysty Juliana Stańczaka (1928-2017) zatytułowanej “Optical Paintings”. Artykuł został opublikowany w magazynie Time. Termin “Op-art” jest skrótem od Optical Art, czyli sztuki optycznej. Odnosi się do ruchu artystycznego lat 60. i 70. XX wieku, w którym sztuka abstrakcyjna była tworzona w sposób wywołujący iluzje optyczne. Dzieła zazwyczaj powstawały poprzez łączenie czarno-białych kształtów w taki sposób, aby sprawiały wrażenie ruchu, który w rzeczywistości nie występował. Kiedy widzowie zbliżali się do tych dzieł, wydawały się one poruszać, migotać, zmieniać kształt lub ukazywać ukryte obrazy widoczne z określonych kątów. Często nazywane Trompe L’oeil, czyli “oszukać oko” w języku francuskim, efekty iluzjonistyczne były charakterystyczne dla tego nurtu.
Inną formą sztuki abstrakcyjnej, Op-art był wpływany przez neoimpresjonizm, kubizm, futuryzm i dadaizm. Jednak najważniejszym źródłem inspiracji był konstruktywizm, który zyskał popularność w Bauhausie.
Węgierski artysta Victor Vasarely (1906-1997) jest uważany za europejskiego lidera tego ruchu. Jego rzeźba w Peczu pokazuje, jak tradycja iluzji przechodziła w rzeźbę. Patrząc z boku, rzeźba składa się z małych kolorowych bloków na płaskiej powierzchni. Jednak przy bezpośrednim oglądaniu dwa sześciany zdają się unosić w trójwymiarowej przestrzeni dzięki iluzji optycznej.
Wystawa Williama C. Seitza (1914-1974) zatytułowana “The Responsive Eye” (1965) w Museum of Modern Art w Nowym Jorku przyniosła ruchowi sławę w Ameryce. Inni artyści pracujący w tym stylu to m.in. Isia Leviant (1914-2006), Julian Stańczak (1928-2017) i Richard Anuszkiewicz (1930-2020).
Z czasem artyści zaczęli tworzyć iluzje optyczne z użyciem kolorów. Jednym z tych artystów była Bridget Riley (ur. 1931). Brytyjska artystka jest znana z dzieła “Movement in Squares” (1961), które jest klasycznym przykładem czarno-białej iluzji optycznej, sprawiającej wrażenie ruchu. Jednak późniejsze prace Riley, takie jak “Shadow Play” (1990), wprowadziły kolor do jej kompozycji.
Op-art stał się ważnym nurtem w sztuce abstrakcyjnej, łącząc iluzję optyczną z nowoczesnymi technikami malarskimi i rzeźbiarskimi, tworząc dzieła, które do dziś fascynują swoją wizualną złożonością i grą z percepcją widza.
Bądź na bieżąco z nowościami o wydarzeniach w galerii Station of Art
Bądź na bieżąco z nowościami o wydarzeniach w galerii Station of Art
