Surrealizm był rewolucyjnym ruchem artystycznym, który zrodził się w Europie w latach 20. XX wieku. Była to odpowiedź na okrucieństwa I wojny światowej oraz ówczesne wartości kulturowe i polityczne. Ruch ten miał silne powiązania z teoriami psychoanalitycznymi Sigmunda Freuda, dotyczącymi snów i podświadomości.
Artyści surrealistyczni odrzucali racjonalizm oraz konformizm wobec represyjnych norm społecznych. Zamiast tego, skupiali się na eksperymentowaniu i osiąganiu nieoczekiwanych rezultatów. Wprowadzali i stosowali nowe techniki artystyczne, takie jak kolaż, rysowanie, frotaż oraz inne innowacyjne metody.
Charakterystyczne cechy sztuki surrealistycznej obejmują elementy fantazji i irracjonalności, tworzenie metafizycznej atmosfery oraz oniryczne obrazy przedstawiające tajemnicze środowiska i krajobrazy. Dzieła te często zawierają szokujące zestawienia oraz eksperymentalne techniki, które dodają im wyjątkowości i głębi.
Andre Masson stworzył “Bitwę ryb” w 1927 roku, wykorzystując technikę automatycznego rysowania. Proces ten obejmował szybkie szkicowanie, posypywanie kleju piaskiem oraz bezpośrednie malowanie farbą wyciskaną z tubki w energiczny sposób. Technika automatyczna polega na rysowaniu bez wcześniejszego planu, podążając za swobodnym ruchem ręki po papierze. Z powstałych abstrakcyjnych kształtów, tworzonych przez podświadomość, Masson wyłaniał obrazy.
Scena przedstawia intensywną podwodną bitwę groźnych, przypominających ryby stworzeń. Chaos i abstrakcyjne formy wypełniają kompozycję, przekazując poczucie intensywności i agresji. Dominują ostrozębne ryby, a piasek i obszary przypominające dym, linie w grafitowych i węglowych odcieniach oraz czerwone plamy krwi wypełniają białe tło.
Obraz ten jest alegorią brutalności życia i wszystkich żywych istot, w tym ludzi. Scenę można interpretować jako przedstawienie lęku i niepokoju, które Masson odczuwał w wyniku fizycznych i psychicznych ran odniesionych podczas I wojny światowej. Po wojnie Masson był hospitalizowany, cierpiał na bezsenność i nawiedzające go koszmary, które stały się inspiracją dla jego twórczości. Surrealizm zapewnił Massonowi ulgę oraz idealne ujście dla jego podświadomości i głębokiej eksploracji ludzkiej egzystencji.
“Kochankowie II” to część serii czterech surrealistycznych obrazów, które Magritte namalował w ciągu jednego roku, w 1928 roku. Obraz charakteryzuje się stonowaną i melancholijną paletą barw z kontrastującymi ciepłymi brązowo-czerwonymi i zimnymi szaro-niebieskimi odcieniami. Scena jest tajemnicza i niepokojąca. Magritte jest znany z unikalnego podejścia do nadawania codziennym przedmiotom i tematom nowego wymiaru poprzez umieszczanie ich w nowych i sprzecznych kontekstach.
W tym surrealistycznym obrazie Magritte stworzył dwie postacie kochanków, którzy próbują się pocałować, ale bezskutecznie. Białe płótno – przypominające całun – zakrywa ich twarze i szyje. Materiał wydaje się oddzielać postacie na zawsze, uniemożliwiając im prawdziwy dotyk i wzajemne zobaczenie się. Płeć postaci można określić jedynie na podstawie ich ubioru. Twarz kobiety jest lekko przechylona w lewo, gdy mężczyzna pochyla się, aby ją pocałować. Z kilku architektonicznych wskazówek, takich jak róg pokoju i sufit na górze, można przypuszczać, że scena rozgrywa się w przestrzeni wewnętrznej. Centralne umiejscowienie postaci skupia uwagę na tajemniczych kochankach, którzy całują się w kinowy sposób, jak w filmie, co wskazuje na wpływ kina na Magritte’a. Mimo pozornej prostoty obrazu wszystkie te elementy przyczyniają się do psychologicznego oddziaływania na widza, który jest zaintrygowany tą dziwaczną sceną.
Za tym erotycznym i intrygującym obrazem kryje się jednak makabryczna historia. Matka Magritte’a, Regina, była kobietą cierpiącą na depresję. Pewnego fatalnego dnia, w 1912 roku, popełniła samobójstwo, wpadając do rzeki Sambre w Belgii. Rene miał zaledwie czternaście lat, gdy to się stało. Mówi się, że był obecny, gdy jej ciało zostało wyciągnięte z rzeki, a jej biała nocna koszula zakrywała całą twarz, pozostawiając resztę ciała odsłoniętą. Ten obraz płótna owiniętego wokół twarzy naznaczył René, który odtworzył go jako motyw w wielu swoich obrazach.
“Celebs” to jedno z najważniejszych dzieł surrealistycznych, stworzone przez Maxa Ernsta w 1921 roku. Ernst był jednym z czołowych zwolenników automatyzmu w ruchu surrealistycznym, a jego prace charakteryzują się absurdem i dziwacznością.
Kompozycja obrazu jest zdominowana przez dużą okrągłą formę w centrum, która przypomina wielkiego mechanicznego słonia. Okrągłe ciało stworzenia zostało zainspirowane zdjęciem z antropologicznego czasopisma, przedstawiającym sudańską glinianą kadź do przechowywania kukurydzy. Ernst przekształcił to w mechanicznego potwora z rogami i metalową opaską wokół trąby. Niski horyzont podkreśla wielkość i sprawia, że potwór wydaje się gigantyczny i groźny.
Na pierwszym planie znajduje się bezgłowa kobieca manekin, częściowo zasłonięta przez kadr obrazu, a tuż za nią stoi totemowy słup. Na szczycie stworzenia widnieją dziwaczne obiekty, jakby wychodzące z niego, a w tle widać dym i dwa ryby unoszące się w mętnym, zachmurzonym niebie. Mechaniczna i zadymiona scena może nawiązywać do przerażających doświadczeń wojennych, jakie przeżył Ernst.
Tytuł dzieła “Celebes” (znany również jako “Słoń Celebes”) pochodzi od dziecięcego, rubasznego niemieckiego wierszyka o podtekstach seksualnych, który brzmi:
„Słoń z Celebes ma lepki, żółty smar. Słoń z Sumatry zawsze pieprzy swoją babcię. Słoń z Indii nigdy nie znajduje dziury, ha-ha.”
Nielogiczne zestawienia niepowiązanych obiektów w obrazie wywołują senne wrażenie i technikę swobodnych skojarzeń Freuda. Obraz bez wątpienia nawiązuje do tradycji de Chirico, z jego oniryczną przestrzenią, atmosferą i paletą kolorów, łącząc surrealistyczną irracjonalność i dadaistyczne techniki kolażu, aby tworzyć rzeczywistości z innego świata.
“Karnawał Arlekina” został stworzony przez Joana Miró w latach 1924-1925. Jest to ikoniczne dzieło ruchu surrealistycznego i jedno z najważniejszych w twórczości artysty. Obraz wyróżnia się dziecięcą prostotą oraz użyciem animowanych form przypominających żywe organizmy. Łączy w sobie abstrakcyjną sztukę z surrealistyczną fantazją, co nadaje mu urokliwego i poetyckiego charakteru. Widz zostaje wciągnięty w ten wyimaginowany świat, zafascynowany sprzecznościami w rozpoznawalnych formach i znaczeniach.
Obraz przedstawia scenę karnawału lub świętowania w pomieszczeniu z widocznym stołem i oknem w tle. Arlekin, główny bohater obrazu, jest centralną postacią tego wydarzenia. Arlekin to znana postać włoskiego teatru komicznego, często grająca na gitarze i charakteryzująca się kostiumem w kratę. W obrazie Miró Arlekin jest przedstawiony jako zabawna postać z animowanym wąsem i melancholijnym wyrazem twarzy, co kontrastuje z ogólnie radosną atmosferą. Wokół niego roi się od ciekawych postaci i fantastycznych stworzeń, takich jak tańczące koty, syreny, antropomorficzne owady, unoszące się gwiazdy, nuty muzyczne i lewitująca, duchowa ręka. Przestrzeń jest wypełniona chaotyczną grą, śpiewem i tańcem. Liczne dziwaczne formy i spiralne kształty dodają ruchu i dynamiki, unosząc się lub wirując wokół płótna.
Podczas tworzenia tego dzieła, Miró znajdował się w trudnej sytuacji finansowej i często doświadczał głodu. Głód wywoływał u niego halucynacje, które następnie uwieczniał i włączał do swojej pracy. Krytycy sztuki uważają “Karnawał Arlekina” za przedstawienie podświadomości i postrzegają je jako szczytowy punkt charakterystycznego stylu surrealizmu Miró.
“Le Violon d’Ingres” (francuski tytuł oznaczający “Skrzypce Ingresa“) to jedno z najbardziej rozpoznawalnych dzieł Man Raya, stworzone w 1924 roku. Jest to klasyczny przykład surrealistycznej fotografii. Początkowo opublikowane w czasopiśmie surrealistycznym “Littérature” w czerwcu 1924 roku, od tamtego czasu uznawane jest za ikonę surrealizmu. Man Ray zasłynął ze swoich innowacyjnych prac fotograficznych, w których w oryginalny i eksperymentalny sposób przedstawiał kobiecą sylwetkę.
Wielokrotnie przed jego obiektywem pozowała Alice Prin, artystka i performerka znana jako “Kiki de Montparnasse“, będąca również kochanką Raya. Do tego dzieła Ray zainspirował się nagimi studiami francuskiego artysty neoklasycystycznego Jean-Auguste-Dominique’a Ingresa, takimi jak obraz “La Grande Baigneuse”. Fotografował modelkę od tyłu w podobnej pozycji. Naga modelka nosi turban na głowie i częściowo zakrywa uda materiałem, a jej ręce są niewidoczne. Malując dwa otwory rezonansowe w kształcie litery “f” na fotograficznym wydruku, a następnie nadrukowując fotografię, Ray przekształcił jej ciało w instrument muzyczny – skrzypce.
W tym dziele Man Ray bawi się pojęciem uprzedmiotowienia i podziwu dla kobiecego ciała. Ekscentryczne zestawienie kobiecej formy z przedmiotem jest motywem powracającym w jego twórczości. Tytuł obrazu, będący grą słów, nawiązuje do francuskiego idiomatycznego wyrażenia “violon d’Ingres“, oznaczającego hobby, a wzięło się z zamiłowania Ingresa do gry na skrzypcach. Man Ray, poprzez to dzieło, oddaje hołd malarzowi Ingresowi, jednocześnie przedstawiając swoją muzę i kochankę Kiki jako swoje własne “skrzypce Ingresa“.
“Wielki Las” został stworzony przez surrealistycznego artystę Maxa Ernsta w 1927 roku, jako część serii abstrakcyjnych obrazów lasów, które malował pod koniec lat 20. XX wieku. Do tego obrazu użył innowacyjnej techniki grattage, którą wynalazł w 1926 roku, kontynuując wcześniejsze eksperymenty z frottage. Ernst opracował technikę grattage, umieszczając przedmioty o teksturowanej powierzchni, takie jak siatka druciana, drewno i rozbite szkło, pod swoimi płótnami, a następnie rozprowadzając i zeskrobując grubą farbę, aby uchwycić efekty tekstury i interpretować formy, które się wyłaniały.
Kompozycja obrazu przedstawia gęsty i nieprzenikniony mur ciemnego lasu, z jedynym śladem życia – ptakiem lecącym wśród drzew, podczas gdy duży dysk słoneczny unosi się w tle. Las emanuje innym światem, jakby był skamieniały i zaczarowany. Krąg przypominający słońce dominuje w kompozycji, wnosząc optymistyczne uczucia; jego jasnożółty kolor tworzy piękny kontrast z ciemnym lasem i tajemniczym niebieskim niebem. Nie ma tradycyjnego użycia perspektywy; słońce, las i niebo wydają się być na jednym poziomie. W tej kompozycji tekstura odgrywa ważną rolę. Ernst zeskrobywał farbę, aby tworzyć linie i wzory oraz ukazywać jasne teksturalne formy pni drzew i listowia.
Lasy i ptaki często pojawiają się w twórczości Ernsta, co wskazuje na jego zainteresowanie naturą. Źródło inspiracji dla tego dzieła można odnaleźć w dziecięcych wspomnieniach Ernsta oraz strachu i fascynacji, jaką odczuwał w niemieckim lesie otaczającym jego dom. Esej Ernsta “Les Mystères de la forêt” (“Tajemnice lasu”), opublikowany w 1934 roku w surrealistycznym magazynie “Minotaure”, opisuje tę fascynację i miłość do lasu:
„Wydają się dzikie i nieprzeniknione, czarne i rdzawo-brązowe, ekstrawaganckie, wiekowe, rojno, diametralne, niechlujne, dzikie, żarliwe i sympatyczne, bez wczoraj ani jutra… Nagie, ubierają się tylko w swoją majestat i tajemniczość”.
“Trwałość pamięci” to jedno z najbardziej znanych i rozpoznawalnych dzieł Salvadora Dalego, które stało się symbolem całego ruchu surrealistycznego. Obraz powstał w 1931 roku, w szczytowym okresie surrealizmu. Dali, podobnie jak wielu surrealistów, czerpał inspirację z psychoanalitycznych teorii Freuda dotyczących podświadomości i snów. Do stworzenia tego dzieła Dali użył swojej paranoiczno-krytycznej metody, podczas której wywoływał u siebie paranoję i halucynacje, aby ułatwić proces twórczy. Jego metoda i twórczość miały ogromny wpływ na innych surrealistów, otwierając przed nimi nowe możliwości artystyczne.
Obraz przenosi widza do pejzażu przypominającego pustynię, gdzie uwagę przyciągają topniejące zegary umieszczone na bloku budynku, gałęzi suchego drzewa i dużej zdeformowanej śpiącej twarzy leżącej na ziemi. Topniejące zegary można interpretować jako symbol przemijania i upływu czasu, co podkreślają również mrówki wędrujące po zegarze leżącym tarczą w dół. Topniejący zegar, jeden z najbardziej ikonicznych symboli Dalego, stał się powracającym motywem w jego surrealistycznych obrazach. Jak na surrealistę przystało, Dali wyjaśniał, że miękkie topniejące zegary były
„…niczym innym jak miękkim, ekstrawaganckim, samotnym, paranoiczno-krytycznym serem Camembert przestrzeni i czasu… Twarde czy miękkie, jaka to różnica! Tak długo, jak pokazują dokładnie czas…”.
W tle wzrok widza spoczywa na linii horyzontu z jasnoniebieskim morzem i skalistymi klifami, które nawiązują do krajobrazu Katalonii, rodzinnych stron Dalego. Wszystkie elementy kompozycji są namalowane w hiperrealistyczny sposób, a wszystko wydaje się zamrożone w czasie, jakby czas zatrzymał się w starych wspomnieniach. W tym dziele Dali płynnie połączył i zamazał granice między rzeczywistością a wyobraźnią.
“Eine Kleine Nachtmusik” to jedno z najbardziej znanych wczesnych dzieł Dorothei Tanning. Obraz przedstawia osobliwą scenę dziwnych wydarzeń, które mają miejsce w hotelowym korytarzu. Drzwi są ponumerowane, a korytarz pokrywa czerwony dywan. Po prawej stronie przez uchylone drzwi wpada promień światła. Na podłodze korytarza leży ogromny słonecznik oraz fragmenty jego złamanego łodygi. Lalka z odsłoniętą klatką piersiową odpoczywa wyczerpana przy jednym z drzwi, trzymając w rękach płatek słonecznika. Druga postać, dziewczyna, stoi naprzeciw gigantycznego złamanego kwiatu, jakby była świadkiem jego upadku, podczas gdy jej długie włosy unoszą się pod wpływem silnego podmuchu wiatru. Rozdarte ubrania dziewcząt i zniszczony słonecznik sugerują, że miało miejsce dramatyczne spotkanie lub walka z nadprzyrodzonymi siłami. Tajemnicze i mroczne wydarzenia w “Eine Kleine Nachtmusik” przypominają cechy gotyckiej literatury, którą Tanning uwielbiała.
“Eine Kleine Nachtmusik”, co oznacza “Mała nocna muzyka”, jest zatytułowany na cześć jednej z najbardziej znanych serenad Mozarta; jest to paradoksalny kontrast do tematu obrazu. Tanning była również zafascynowana słonecznikami i stwierdziła, że słonecznik w tym dziele reprezentuje “symbol wszystkich rzeczy, z którymi młodość musi się zmierzyć i radzić sobie, […] niekończącą się walkę, którą toczymy z nieznanymi siłami, siłami, które istniały przed naszą cywilizacją”. Tanning często eksplorowała w swoich pracach temat dziewczęcości i przejścia do kobiecości w okresie dojrzewania, a to dzieło być może w symboliczny i surrealistyczny sposób bada tę głęboką przemianę.
Paralele do twórczości Tanning można znaleźć w literaturze, na przykład w “Alicji w Krainie Czarów” Lewisa Carrolla, gdzie podobnie przedstawienie doświadczeń dzieciństwa i wewnętrznych dramatów stoi w sprzeczności z idealistycznym postrzeganiem beztroskiego i niewinnego dzieciństwa.
“Object” znany również jako “Le Déjeuner en Fourrure” lub “Śniadanie w futrze” to surrealistyczny obiekt stworzony przez Meret Oppenheim w 1936 roku, w wieku zaledwie 22 lat. Jest to jedno z najbardziej znanych surrealistycznych dzieł, które ukazuje dziwaczne zestawienia przedmiotów, wykorzystując technikę “found object” (znaleziony przedmiot). Termin ten odnosi się do sztuki, która używa i modyfikuje codzienne przedmioty (naturalne lub wykonane przez człowieka), nadając im nowy cel artystyczny, zachowując jednocześnie ich rozpoznawalną formę. Oppenheim, podobnie jak wielu innych surrealistów, eksperymentowała z aranżacją przedmiotów w niespodziewane kontrasty, które wywoływały skojarzenia z podświadomością i zaprzeczały logice.
W tym dziele Oppenheim wzięła zwykły przedmiot, zestaw filiżanki i spodka, i pokryła go futrem gazeli. Jest to szokujące dzieło pełne sprzeczności: miękkie futro podkreśla zmysłową przyjemność dotyku i kojarzy się z dzikimi zwierzętami, podczas gdy filiżanka jest domowym, wykonanym przez człowieka przedmiotem przeznaczonym do picia. Surrealistka interweniowała i przekształciła zestaw filiżanki z familiarnego i funkcjonalnego przedmiotu w nowe dzieło sztuki. Dodanie futra całkowicie zmieniło jego pierwotne przeznaczenie, czyniąc go bezużytecznym i nadając mu nowy status: symbolu freudowskiego z dziwną mieszanką skojarzeń. Dzieło wzbudziło sensację, gdy zostało po raz pierwszy wystawione na wystawie surrealistycznej w 1936 roku, i od tego czasu stało się jednym z symboli sztuki surrealistycznej i ruchu feministycznego.
Pomysł na to surrealistyczne dzieło zrodził się z żartu. W 1936 roku Meret Oppenheim spotkała się w kawiarni w Paryżu z Dorą Maar i Pablo Picasso. Picasso, zauważając jej futrzaną bransoletkę, zauważył, że wszystko można pokryć futrem. Oppenheim odpowiedziała: “Nawet tę filiżankę i spodek” i dodała z rozbawieniem: “Kelnerze, trochę więcej futra!“.
“Telefon Homar” stworzony przez Salvadora Dali w 1938 roku, jest jednym z najbardziej rozpoznawalnych i pomysłowych obiektów surrealistycznych. Dziwaczne zestawienie dwóch pozornie niepowiązanych ze sobą przedmiotów jest charakterystyczne dla ruchu dadaistycznego i zasad surrealizmu. Edward James, znany kolekcjoner i mecenas surrealizmu, zlecił Salvadorowi Daliemu stworzenie “Telefonu Homara” i zamówił cztery sztuki do swojego domu. Prawie wszystkie “Telefony Homary” znajdują się obecnie w kolekcjach muzealnych na całym świecie.
Dzieło surrealistyczne jest zaskakująco proste, ale absurdalnie nonsensowne. Przedstawia niezwykłe zestawienie groźnego stworzenia morskiego, dużego homara, z codziennym przedmiotem, telefonem. Dali, kierując się zasadami surrealizmu dotyczącymi nielogiczności obrazów snów, podświadomości i pragnień seksualnych, umieszcza homara wykonanego z gipsu na telefonie, z genitaliami ustawionymi na słuchawce. “Telefon Homar” początkowo nosił tytuł “Telefon Afrodyzjakalny” i dla Dalego to surrealistyczne dzieło miało silne konotacje seksualne, ponieważ homar był uważany za afrodyzjak.
Dali, badając metodę paranoiczno-krytyczną i zajmując się surrealistycznymi asamblażami oraz meblami, wprowadził nowy wymiar do surrealizmu. Znaczenie “Telefonu Homara” było przedmiotem różnych interpretacji na przestrzeni lat. Powszechnie uważa się jednak, że dzieło jest po prostu wynikiem humoru Salvadora Dalego. Połączenie dwóch niezwiązanych ze sobą przedmiotów było dla niego po prostu zabawne. W próbie wyjaśnienia tego dzieła, Dali stwierdził:
„Nie rozumiem, dlaczego, gdy proszę o grilowanego homara w restauracji, nigdy nie dostaję podanego telefonu; nie rozumiem, dlaczego szampan jest zawsze schłodzony, a telefony, które są zazwyczaj tak strasznie ciepłe i nieprzyjemnie lepkie w dotyku, nie są również podawane w srebrnych wiaderkach z pokruszonym lodem wokół nich.”
Z tego powodu większość ludzi uważa, że dzieło to symbolizuje humor słynnego artysty.
Bądź na bieżąco z nowościami o wydarzeniach w galerii Station of Art
Bądź na bieżąco z nowościami o wydarzeniach w galerii Station of Art
